EMERGO ZINNEMA

HAMBRE review by @Diezmartinez

2010-08-24T07:49:00.000-07:00

Pues sí, que el maestrazo Ernesto Diezmartínez, crítico de cine de los Periódicos Reforma y Noroeste, dedicó un espacio en su valioso blog para reseñar nuestro cortometraje HAMBRE (2010), dirigido a dúo entre el @duendecallejero y su servidor.

La reseña, con motivo de la exhibición de HAMBRE en el Festival Macabro de Horror en Cine y Video, aquí.

Otra reseña del corto, cortesía del genial Aarón Soto, por acá.

Y a continuación les dejo la sinopsis del corto, por si alguien se pregunta: ¿Y de qué va todo esto?

En una ciudad devastada poruna mortal plaga, un grupo de jóvenes sobrevivientes que llevan meses encerrados en un derruido edificio, deciden cumplir el acuerdo al que se sometieron desde el inicio de su encierro: en caso de no conseguir comida, uno de ellos se sacrificará para alimentar al resto. Pero ese sacrificio no significa que deberá salir a buscar comida sin importar lo que le espera allá afuera.

Ahora, todo es cuestión de suerte...

¿Quién es el que se sacrificará y quién el que cumplirá el sacrificio?

Si todo sale de acuerdo al plan (?), próximamente podrán ver HAMBRE en Mazatlán, algún lugar de Guanajuato, otra vez en el Distrito Federal y, con suerte, hasta en otros países.

Por lo pronto, acá ya estamos trabajando en el siguiente proyecto.

Fin de la transmisión.

Can I confess something?

2010-08-18T14:53:00.000-07:00

INT. DUANE'S BEDROOM-NIGHT

Duane, sitting on his bed, sees Alvy walking past the open door.

DUANE
Alvy.

ALVY
(Walking in)
Oh, hi, Duane, how's it goin'?

DUANE
This is my room.

ALVY
(Looking around)
Oh, yeah?
(He clears his throat)
Terrific.

DUANE
Can I confess something?

Alvy sighs and sits down, leaning his arm on Duane's dresser. Duane's face is big lighted by a single lamp.

DUANE
I tell you this because, as an artist,
I think you'll understand. Sometimes
when I'm driving ... on the road at night
... I see two headlights coming toward me.
Fast. I have this sudden impulse to turn
the wheel quickly, head-on into the
oncoming car. I can anticipate the
explosion. The sound of shattering glass.
The ... flames rising out of the flowing
gasoline.

ALVY
(Reacting and clearing his throat)
Right. Tsch, well, I have to-I have
t-o go now, Duane, because I-I'm due
back on the planet earth.

He slowly gets up and moves toward the door.

EXT. ROAD - NIGHT

Duane, behind the wheel, stares straight ahead. It is raining very hard, the windshield wipers are moving quickly. The headlights of another car brightens the interior of Duane's car as the camera shows first Duane, then Annie, then Alvy tensely staring straight ahead.

El evangelio según Jim Jarmusch

2009-09-27T18:36:00.000-07:00

Desde cuándo andará este código en la red, lo ignoro. Yo lo leí apenas hace dos días. Se lo robé a Nicolás Alcalá, de El Cosmonauta, mientras vagaba por Facebook en busca de información valiosa. Él se lo robó a alguien más. Espero que alguien me lo robe a mi también.

Jim Jarmusch’s Golden Rules

Rule #1: There are no rules. There are as many ways to make a film as there are potential filmmakers. It’s an open form. Anyway, I would personally never presume to tell anyone else what to do or how to do anything. To me that’s like telling someone else what their religious beliefs should be. Fuck that. That’s against my personal philosophy—more of a code than a set of “rules.” Therefore, disregard the “rules” you are presently reading, and instead consider them to be merely notes to myself. One should make one’s own “notes” because there is no one way to do anything. If anyone tells you there is only one way, their way, get as far away from them as possible, both physically and philosophically.

Rule #2: Don’t let the fuckers get ya. They can either help you, or not help you, but they can’t stop you. People who finance films, distribute films, promote films and exhibit films are not filmmakers. They are not interested in letting filmmakers define and dictate the way they do their business, so filmmakers should have no interest in allowing them to dictate the way a film is made. Carry a gun if necessary.

Also, avoid sycophants at all costs. There are always people around who only want to be involved in filmmaking to get rich, get famous, or get laid. Generally, they know as much about filmmaking as George W. Bush knows about hand-to-hand combat.

Rule #3: The production is there to serve the film. The film is not there to serve the production. Unfortunately, in the world of filmmaking this is almost universally backwards. The film is not being made to serve the budget, the schedule, or the resumes of those involved. Filmmakers who don’t understand this should be hung from their ankles and asked why the sky appears to be upside down.

Rule #4: Filmmaking is a collaborative process. You get the chance to work with others whose minds and ideas may be stronger than your own. Make sure they remain focused on their own function and not someone else’s job, or you’ll have a big mess. But treat all collaborators as equals and with respect. A production assistant who is holding back traffic so the crew can get a shot is no less important than the actors in the scene, the director of photography, the production designer or the director. Hierarchy is for those whose egos are inflated or out of control, or for people in the military. Those with whom you choose to collaborate, if you make good choices, can elevate the quality and content of your film to a much higher plane than any one mind could imagine on its own. If you don’t want to work with other people, go paint a painting or write a book. (And if you want to be a fucking dictator, I guess these days you just have to go into politics...).

Rule #5: Nothing is original. Steal from anywhere that resonates with inspiration or fuels your imagination. Devour old films, new films, music, books, paintings, photographs, poems, dreams, random conversations, architecture, bridges, street signs, trees, clouds, bodies of water, light and shadows. Select only things to steal from that speak directly to your soul. If you do this, your work (and theft) will be authentic. Authenticity is invaluable; originality is nonexistent. And don’t bother concealing your thievery—celebrate it if you feel like it. In any case, always remember what Jean-Luc Godard said: “It’s not where you take things from—it’s where you take them to.”

Warren Buffett by Peter Greenaway

2009-09-25T15:34:00.000-07:00

En un descubrimiento que los economistas calificarían de ingenuo, creo que encontré, al navegar por la red, la fuente original de una frase que Peter Greenaway vino a espetarnos a los mexicanos durante la pasada edición del festival de cine Expresión en Corto.

La frase de Greenaway (o mejor dicho, la adaptación de Greenaway) es ésta.

La frase original, cortesía del empresario estadounidense Warren Buffett, aquí abajo:

"...there are three ‘I’s in every cycle. The ‘innovator,’ that’s the first ‘I.’ After the innovator comes the ‘imitator.’ And after the imitator in the cycle comes the idiot. Which makes way for an innovator again.” #warrenbuffett

¿Será o no será?

La frase del día (3)

2009-09-25T13:24:00.000-07:00

"Creamos un sistema de precios que le ofrece algo real a las personas que deciden comprar. Pero también permitimos la descarga gratuita para aquellos que, de cualquier forma, no iban a pagar; pero al menos tenemos su dirección de email y podemos escribirles cuando tengamos un disco nuevo o cuando se organice un concierto en su ciudad" #TrentReznor

Vía #ALT1040, con liga al artículo completo aquí.

Infinity as Ouroboros

2009-09-23T13:27:00.000-07:00

Según la Wikipedia, el Uróboros u Ouraboros, es la emblemática serpiente del Antiguo Egipto y la Antigua Grecia, representada con su cola en su boca, devorándose continuamente a sí misma. Expresa la unidad de todas las cosas, las materiales y las espirituales, que nunca desaparecen sino que cambian de forma perpetua en un ciclo eterno de destrucción y nueva creación.

Según la investigación de este blog, en el simbolismo alquímico, el Ouroboros es el símbolo gráfico de un proceso cerrado en sí mismo que transcurre repetidamente y que al calentar, evaporar, enfriar y condensar un líquido, debe servir para el refinamiento de sustancias: veneno, víbora, disolvente universal, son símbolos de lo indiferenciado, del “principio invariante” o común que pasa entre las cosas y las liga, es la disolución de los cuerpos, la serpiente universal que, según los gnósticos camina a través de todas las cosas.

Y, Según The XX, el Ouroboros es esto:

After all the time
After you
Had you seen me with someone new
Hanging so high for your return
But the stillness is a burn

Had I seen it in your eyes
There'd have been no try after try
Your leaving had no goodbye
Had I just seen one in your eyes

I can't give it up
To someone elses touch
Because I care too much

Could you tell
I was left lost and lonely
Could you tell
Things ain't worked out my way

Wish the best for you
Wish the best for me
Wished for infinity
If that ain't me

Give it up
I can't give it up

I can't give it up
To someone elses touch
Because I care too much

Give it up
I can't give it up

#nostalgia

La (s) frase (s) del día (2)

2009-08-02T13:23:00.000-07:00

Nacho Vigalondo:

"La principal ventaja de internet, al menos en mi caso, es que es un medio al que puedo acceder. Así de sencillo(...) Internet es la única forma que tienes de expresarte y de comunicarte con una regularidad sana".

"Sí, seguiremos yendo al cine en el 2020... lo que no tengo muy claro es qué tipo de peliculas van a estar disponibles en salas... quizá no las que más molan(...)Creo que los generos que más van a sufrir son los intermedios: la serie b, el horror..."

"Me encantaría hacer una TV movie. Ahora, si me dicen que (la TV movie) tiene que retratar un acontecimiento historico en España -reciente- yo ya no sabría donde meterme. Yo tengo que hacer ciencia ficción barata y chicas desvalidas con un loco en el bosque".

"Si hubiese que apostar a si algún dia me llevaré el Oscar al mejor cortometraje o no, yo apuesto a que no, pero celebro que haya gente que apuesta a que sí (...) Bueno, tengo derecho a apostar, ¿no?"

Todo lo anterior lo dijo Nacho en una microentrevista que le hizo la gente del Campus Party Valencia 2009, y que pueden ver completa aquí.

La frase del día

2009-08-01T12:02:00.000-07:00

"En todo arte existen las figuras del pionero, el consolidador y el destructor de los elementos que los conforman. Y en el cine ellos fueron Sergei Einsenstein, H.G. Wells y Jean-Luc Godard"
(Peter Greenaway, en la conferencia 'El cine ha muerto, que viva el cine', llevada a cabo en la edición 2009 de Expresión en Corto)

Live Broadcast desde el Campus Party Valencia 2009

2009-07-27T15:34:00.000-07:00

Agenda oficial del evento, aquí.

El periodismo del futuro (y el futuro del cine) como 19 twits en potencia

2009-07-11T12:03:00.000-07:00

Post dedicado a la agencia de noticias AP.

De mi gastada libreta, dejo aquí los apuntes que hice después de ver en video una mesa redonda ocurrida en Lima, Perú, el pasado 6 de junio (bendito streaming), con el tema 'El Futuro del periodismo y los medios'. Los ponentes son José Luis Orihuela (el gurú de la comunicación digital en hispanoamérica) y Pablo Mancini.

Sé que, en teoría, éste es un blog dedicado al cine, pero mi postura es firme al considerar que la cinematografía y el periodismo tienen que aplicar conceptos similares para adaptarse y sobrevivir al nuevo mundo digital, y vaya que esta mesa redonda aporta claves imprescindibles para entender el papel que los medios de comunicación jugarán en la era del internet (pobres aquellos que sigan pensando en las salas de cine y el DVD como únicas ventanas de exhibición para las obras cinematográficas).

Van, pues, los apuntes, en forma de lista y como potenciales twits (algunos con más de 140 caracteres):

1. ¿Dónde van a estar los medios del futuro? Respuesta: en donde esté la audiencia (en el auto, en el gimnasio, en la oficina, etc).

2. En el futuro, los medios de comunicación no estarán definidos por su periodicidad (diario, semanario), pues las nuevas tecnologías convergen en un mismo espacio y tiempo (internet), que vive y se crea de acuerdo a las necesidades de los usuarios.

3. Los medios, pues, entrarán en el terreno del TIEMPO REAL.

4. Los usuarios de hoy quieren la información (contenidos) ya mismo, en donde quiera que se encuentren.

5. Los medios del futuro serán MULTIPLATAFORMA (o multimedia), es decir, que empaquetarán los contenidos de forma textual, visual, sonora, etc., pues el medio es una MARCA, y la marca debe estar en cualquier lado.

6. El futuro de la comunicación es movil. La gente no quiere ir a un aparato específico para exponerse a sus contenidos, la gente quiere la información actualizada y en el bolsillo.

7. Un medio NO es una TECNOLOGÍA.

8. Un medio NO es un ESPACIO.

9. Un medio SÍ es un ÁMBITO DE CONVERSACIÓN que sirve para el encuentro de usuarios.

10. Los medios NO definen su NEGOCIO por el medio en el cual se DISTRIBUYEN.

11. Los periodistas no se definen en función de los medios que manejan.

12. En el mundo sobra gente que sepa cómo usar FACEBOOK y TWITTER. Lo que hace falta son periodistas que inventen nuevos usos para dichas aplicaciones.

13. Hay que detectar cuáles son los nuevos LENGUAJES de la red.

14. ¿Cómo se distingue un medio de comunicación en medio de la vorágine informativa creada por los usuarios de internet? Por su EXCELENCIA.

15. La gente (los usuarios) crean FAST FOOD INFORMATION.

16. Los medios de comunicación deben crear la ALTA COCINA DE LA INFORMACIÓN.

17. La excelencia periodística la consigue gente mejor FORMADA y gente mejor PAGADA.

18. La buena información, la información de calidad, CUESTA DINERO.

19. En resumen, necesitamos MÁS INFORMACIÓN, MÁS PERIODISMO Y MÁS CALIDAD.

Han dicho.

Y ahora, sólo adapten todo lo anterior al contexto de la producción cinematográfica en México.

¿Interesante, cierto?

Aquí les dejo la fuente del resumen, para que no digan, con permiso de Mr. Orihuela:

Mesa redonda: El Futuro del Periodismo y de los Medios from Universia Perú on Vimeo.

Se derrumban como puercos!!!

2009-07-10T19:14:00.000-07:00

Qué curioso.

En la nota que reproduzco abajo, casi puede olerse el miedo de los directivos de una de las agencias de noticias más importantes del mundo, al darse cuenta de que han sido devorados por la vorágine informativa que se genera en internet:

Por ANDREW VANACORE

NUEVA YORK (AP) _ The Associated Press propuso que las publicaciones incluyan etiquetas descriptivas en sus artículos noticiosos en la internet con el objetivo de evitar la circulación sin control de noticias e información en internet y de generar más tráfico para los medios establecidos.

Las etiquetas con información sobre el autor, publicación y otros datos _y también sobre cualquier restricción para materiales protegidos por derechos de autor_ serían incluidas en los artículos periodísticos de manera que los motores de búsqueda puedan identificarlos con facilidad.

De esta manera, AP espera hacer más fácil para los lectores encontrar artículos de medios noticiosos establecidos, en medio de una oferta siempre creciente de contenidos online. Esto a su vez podría generar más tráfico e ingresos por publicidad online para la debilitada industria periodística.

Estas etiquetas, si se adoptaran en forma generalizada, ayudarían a las computadoras a entender mejor la información sobre un artículo, lo que permitiría a Google y otros desarrollar herramientas de búsqueda más inteligentes.

"Como están las cosas, una enorme cantidad de información sobre un artículo noticioso es totalmente invisible", dijo Martin Moore, director de Media Standards Trust, un grupo británico sin fines de lucro que desarrolló las nuevas reglas junto a AP. "Un buscador no puede diferenciar entre la firma del autor y el nombre de alguien mencionado en un artículo".

Aunque es difícil saber cómo las etiquetas podrían cambiar la manera de encontrar noticias, Google y otros podrían desarrollar herramientas de búsqueda que permitan a los usuarios identificar artículos de un autor o en una ciudad en particular. Los portales de internet podrían usar la información para ofrecer sumarios más detallados junto a los resultados de búsqueda.

La AP ya está probando las etiquetas en sus propios artículos y quiere que éste sea el estándar de la industria, usado por quienquiera que produzca contenido noticioso, incluidos otros medios y "blogs".

Los medios tradicionales se quejan de que los portales de búsqueda no hacen diferencias en sus resultados entre las marcas establecidas de la industria periodística y otros materiales, como comunicados de prensa, anuncios publicitarios y textos desactualizados.

Robert Cox, presidente de la Asociación de Blogueros de Medios, dijo que las etiquetas no serían un problema para los blogs, pero las limitaciones de derechos de publicación podrían despertar desconfianza.

"La percepción en la 'blogósfera' será que ésta es una nueva manera de la AP de ir a la guerra", dijo.

En efecto y en pocas palabras, los "medios establecidos de información" quieren protegerse de los blogs usando uno de sus recursos más antiguos: las etiquetas (pobrecitos); y pretenden "regular" la información que circula en la red porque están perdiendo millones y millones, abogando por regresar a la ya lejana época del gatekeeper y arrebatarle a los usuarios su poder de decisión, en lugar de adaptarse a las nuevas tecnologías y modelos de recepción.

Y en todo lo anterior incluyo al cine.

¿Qué solución les propongo? Que hagan mejor periodismo (o cine), y de seguro los lectores lo notaremos.

La "guerra" apenas comienza, pero con qué patadas de ahogado.

PD. Para que no digan, en mis etiquetas anoté tanto el nombre de la agencia como el del reportero.

Qué Michel Gondry ni qué nada...

2009-07-09T17:52:00.000-07:00

Lajos Egri se apareció en mi cocina

2009-07-07T09:52:00.001-07:00

En la foto de abajo, escrita sobre una servilleta sucia, se lee la fórmula para escribir guiones cinematográficos propuesta por Lajos Egri (Austria, 1888-1967), misma que data de 1946 y sigue vigente hasta nuestros días.

Desconozco el origen del mensaje, quién lo envió o cómo llegó hasta mi cocina, pero presiento que habrá más apariciones, próximamente...

Para los cineastas del futuro...

2009-07-05T12:58:00.000-07:00

Les comparto este video, remixeado por la gente de Riot Cinema Collective como parte de la promoción de su proyecto de largo 'El Cosmonauta'.

No es un trailer: es la mera neta.

Sabías que... (Did you know?) Cinema Edition 1.0 [El Cosmonauta] from Riot Cinema on Vimeo.

Jodorowsky, te veré en el infierno

2009-07-04T15:34:00.000-07:00

Hoy murió, víctima del Alzheimer, a los 77 años, Allen Klein (el de la extrema izquierda en la foto de arriba), una polémica figura de la industria musical que tuvo el gusto de representar a gigantes como The Beatles y The Rolling Stones.

Si tuvo que ver o no con la disolución del cuarteto de Liverpool, no me interesa. Tampoco me preocupa saber cómo fueron los dos meses que pasó en prisión en 1979, acusado de evasión tributaria. Ni quiero enterarme de cuánto dinero entra (entraba) a sus bolsillos por las regalías de las más de 2 mil letras de canciones que le pertenecen a su compañía (la ABKCO, que quedará en manos de su esposa e hijos), varias de ellas inspiración directa de Mick Jagger y Keith Richards (The Rolling Stones), de Ray Davies (The Kinks) y de Pete Townshend (The Who).

En fin: no me interesa comprobar si este tipo era un hijo de puta, como en muchos sitios de internet se insinúa.

Quiero, sin embargo, relatar la historia por la cual Allen Klein es, para mí, un nombre familiar:

Resulta que, hace mucho tiempo, el buenazo de John Lennon vio, en una de sus famosas funciones de media noche, una película llamada 'El Topo', dirigida por el hasta entonces desconocido Alejandro Jodorowsky (Chile, 1929, vivo hasta hoy).

La película le gustó tanto al ex-Beatle que de inmediato aseveró que era su favorita, y le pidió a su representante, Allen Klein (nuestro sujeto), que comprara los derechos y patrocinara el siguiente proyecto de su director.

Así, en 1973 'La montaña sagrada' ve la luz (cuenta la wikileyenda que, en un principio, George Harrison haría el papel protagónico; sin embargo, el músico declinó cuando Jodorowsky le dijo que tendrían que hacer un primer plano de su ano. ¿Estrategia del director?), convirtiéndose de inmediato en película de culto.

Las cosas iban bien, bastante bien, hasta que Jodorowsky rompió su contrato con Klein al negarse a dirigir The Story of O (basada en la novela homónima de la escritora francesa Pauline Réage, finalmente dirigida en 1975 por Just Jaeckin ), una historia con tintes eróticos que Klein pensaba convertir en la siguiente Garganta Profunda (1972), aprovechando el ingreso del cine hard-core al mainstream cinematográfico.

¡Fatales consecuencias!

Como venganza contra el director chileno, Klein, quien era el propietario legal de los derechos de El Topo y La Montaña Sagrada, retiró ambos filmes de su corrida comercial de manera permanente, enlatándolos durante más de 30 años y haciéndolos inaccesibles a los cinéfilos de todo el mundo (y por lo tanto, elevando su status de culto a la enésima potencia).

Esto no detuvo a Jodorowsky (quien dirigió una película más, y entregó copia de sus dos filmes 'expropiados' a los vendedores de piratería para su libre reproducción y distribución... de hecho, mi primera copia de El Topo la compré hace más de 5 años, en un puesto pirata de San Juan de Dios, en Guadalajara, tal como Jodorowsky hubiera querido, jeje), y hace poco logró llegar a un acuerdo con los dueños de los derechos.

Así pues, hoy en día, como dice Ernesto Diezmartinez, es posible adquirir Fando y Lis, El Topo y La Montaña Sagrada en unas muy decentes ediciones en DVD región 1 y 4.

Me imagino que con el dinero que el buen Jodo se ganó, después de 30 años, ya se fue a comprar zapatos nuevos.

Fin.

Les dejo, aquí abajo, un par de frases para el recuerdo:

"El Topo es como el vino, se pone mejor con el tiempo. Estoy esperando a que mueras y entonces voy a tener una fortuna” (esto se lo dijo Allen Klein a Jodorowsky, según una entrevista de éste último con Roger Ebert en 1990).

"No me hables de ética. Todos van a lo suyo. Es como una guerra. Eliges tu bando al principio y a partir de ese momento empiezan a dispararte. Aquel a quien derrotes será quien te acuse de falta de ética" (Allen Klein, en una entrevista para Playboy en 1971).

“Estás hermoso. No eres un monstruo” (dijo Allen Klein a Jodorowsky, cuando éste último acudió a su casa para hacer las pases, hace tres o cuatro años).

“Tú tampoco eres un monstruo, eres como un maestro espiritual”, respondió el chileno.

El DF ya tiene comisión de filmaciones (¿y luego?)

2009-07-02T14:22:00.000-07:00

Hoy por la mañana fue instalada formalmente la Comisión de Filmaciones de la Ciudad de México. El objetivo, según sus representantes, es convertir al Distrito Federal en la capital cinematográfica de latinoamérica.

También fue nombrado el consejo directivo de esta comisión:

Elena Zepeda de León (la secretaria de Cultura del Gobierno Capitalino), fue elegida como presidenta del consejo. El secretario técnico, designado por Marcelo Ebrard, será Fernando Uriegas Vázquez (?).

La representante de los productores cinematográficos en el consejo será Mónica Lozano; mientras que Juan Osorio quedó como representante de los productores de TV, y María Teresa Fernández Rivas será la defensora de los derechos de las compañías productoras de comerciales.

Otros integrantes del consejo serán Juan Mora Catlett (director de cine y representante de las escuelas de estudios cinematográficos), Juan Carlos Rulfo (autor de los documentales 'En el hoyo' y 'Los que se quedan'), Jorge Santoyo y Marcela Fernández Violante (esta última representando a los videoastas, un término que, para mí por lo menos, ha quedado obsoleto con la llegada de la tecnología digital).

Las funciones de esta comisión serán, entre otras: evaluar, autorizar o rechazar todos aquellos proyectos que postulen al DF como locación, con el objetivo de promocionar los atractivos de la ciudad y, por supuesto, atraer divisas. En pocas palabras, serán los encargados de conceder o rechazar los permisos de filmación en la capital del país.

Por otra parte, no podrán solicitar apoyo de esta comisión ni las filmaciones periodísticas, ni los trabajos escolares ni las producciones personales o enfocadas al turismo.

En fin: me parece que, para el gobierno, esta es una buena oportunidad para proclamar que están creando fuentes de empleo; y en cuanto a los cineastas mexicanos... bueno, espero que esta comisión les permita hacer más y mejores películas (aunque no veo la relación directa por ninguna parte).

Crowdfonderos mexicanos

2009-07-02T11:41:00.000-07:00

Ya les comentaba hace algunos días el caso de El Cosmonauta, el proyecto de Riot Cinema Collective para realizar una película con licencia de Creative Commons, que para recaudar fondos organizaba fiestas temáticas y vendía souvenirs en su página web (crowdfunding, pues).

Así pues, hoy me entero, a través de la nota de Notimex que les pego abajo, que en México ya se están haciendo cosas similares:

México, 1 Jul. (Notimex).- Luis Felipe Tovar, Sherlyn, Alejandra Barros, Roberto Sosa, y Gabriela Goldsmith son algunas de las personalidades que asistirán este jueves a "Rock&Cine Party", a fin de fomentar el apoyo al cine mexicano.

La celebración organizada por los alumnos de la Universidad del Cine (UDC), integrantes la Asociación Mexicana de Cineastas Independientes (AMCI), tiene el objetivo de recaudar fondos para realizar el cortometraje "Tiempo muerto".

"Nos ayuda nuestro director de la universidad, Pedro Araneda. El cortometraje es un trabajo de humor negro; una crítica al mal servicio que se da en las clínicas públicas y será dirigido por Ruy Aguilar", indicó Nuvia Ayala, productora ejecutiva del trabajo cinematográfico.

Durante la celebración en el sur de la capital mexicana, se proyectarán diversos cortometrajes realizados por jóvenes cineastas que buscan una oportunidad y actuarán las bandas EBY y 24 Bits, promesas musicales.

¿Interesante, no?

Ustedes saben lo mismo de la historia que yo, y tampoco está disponible para su descarga el guión del corto, pero eso es lo de menos: lo importante de apoyar este tipo de proyectos es que se están creando, poco a poco, canales alternativoos de financiamiento.

Sólo me quedan un par de dudas: al terminar el corto, ¿estará disponible en internet, para su descarga? ¿Tendrá licencia libre de creative commons?

Si viven en el DF, no falten.

PD. Mañana es el cumpleaños de Tom Cruise. No sean gachos, deposítenle una lana. Tiene su cuenta en el Banco Azteca. Lo necesita, de verdad.

Jóvenes Leones

2009-07-01T07:56:00.001-07:00

Fueron anunciados (ayer por la noche) los ganadores del Cannes Lions International Advertising Festival, y entre los premiados hubo dos mexicanos: Fernando Carrera y Victor Alvarado, quienes se traerán a casa un León por ser los mejores en la categoría Young Lions Film Competition.

Aquí les dejo el spot con el que ganaron:

Cosmonautas (y cine) del nuevo milenio

2009-06-30T17:43:00.000-07:00

Ayer lunes, por la noche, se llevó a cabo en Madrid, España, el primero de los dos conciertos ofertados por el happening 'Cosmonauts' (29 y 30 de junio del 2009), con grupos madrileños como Sidecars, Zoo, Alex Ferreira y Havalina. Hoy martes tocan Remate, Antonna, Amigos Imaginarios y Cohete (otros grupos locales).

Si no fuera porque este evento es organizado por Riot Cinema Collective (con Nicolás Alcalá, Carola Rodríguez y Bruno Teixidor a la cabeza), con el objetivo de recaudar fondos para su proyecto de película "El Cosmonauta", la noticia de allá arriba sería muy poco interesante.

"El Cosmonauta", como puede leerse en su website, es un proyecto cinematográfico que adopta al 'Crowdfounding' como herramienta principal de financiamiento, otorgando estatus de 'inversionista' (acreditado) a toda aquella persona que realice un aporte económico (a partir de 2 euros, en este caso) para que la película sea realizada.

Hasta este momento, "El Cosmonauta" tiene 394 productores, entre cibernautas que han comprado merchandising (playeras, pines, insignias, libros, parches, discos, etc) en la tienda online de la película, asistentes a conciertos organizados por los Riot y aportadores de a 2 euros.

Por fortuna, el proyecto ha gozado de bastante aceptación entre los españoles, y hasta Nacho Vigalondo hizo acto de presencia en un par de videos promocionales (no en vano Vigalondo es responsable de una de las campañas online más efectivas que se hayan visto hasta la fecha, al lograr que toda una comunidad de fans se mordiera las uñas esperando el estreno de "Los Cronocrímenes", y sin gastar un sólo euro).

A todo esto, hay dos cosas que me llaman profundamente la atención:

Primero, que los 'aportadores' reciban el título de 'inversionistas' en lugar de 'donadores' (como era costumbre en los primeros experimentos de crowdfounding, algunos surgidos de la mera casualidad, como el caso de Marillion), lo cual representa un primer gran paso en la legitimación de este tipo de métodos recaudatorios para la producción de obras cinematográficas en todo el mundo,

Y segundo, que el resultado final de este proyecto será una película con licencia libre de Creative Commons, lo que significa que todo el material producido podrá ser utilizado por los internautas como mejor les venga en gana: serán subidas a la red (para su descarga) las cintas originales del rodaje con todo el material filmado, la música original, la mezcla de audio, los posters promocionales, etc. De hecho, en este momento ya es posible barjarse y leer el guión de la película.

Así, los usuarios podrán hacer su propia edición del filme (mejorarlo, incluso) y colgarlo para que otros lo evalúen, utilizar la banda sonora de forma diferente y todo lo que pueda surgir en el camino. Alimento nutritivo para las nacientes redes sociales.

En pocas palabras: estos señores están forjando el futuro del cine como arte y como industria.

Me imagino que habrá multitudes de 'artistas' que, al ver este tipo de experimentos', dirán: "pero cómo, ¿a quién se le ocurre que un chaval con banda ancha pueda meterle mano a mi película?" (Yo mismo he escuchado a un par de nuevas promesas del cine mexicano renegar del cine digital, que dizque no es lo mismo tener tu peli en 35).

Dice José Ramón Mikelajáuregui, en un extraordinario artículo que en otra entrada me encargaré de resumir, que una de las nuevas necesidades del cine en tiempos de convergencia digital es la creación de nuevos modelos de negocios (digan adiós a las crueles compañías distribuidoras), así como la invención de nuevas ventanas de exhibición (aunque nos duela, el cine como actividad social va de bajada; las salas, cada vez más pequeñas, reciben a menos y menos espectadores).

Al final, como ya se palpa en internet, el mensaje pasará a segundo término, y lo más importante será la conversación que dicho mensaje sea capaz de generar.

Enhora buena por "El Cosmonauta" (que ya está en twitter, facebook, vimeo, flickr, y más).

¡No olviden ordenar su kit de inversionistas!

Procrastinación

2009-06-29T21:12:00.000-07:00

Vaya... tal parece que revivir este blog se ha convertido (para mí, por supuesto) en un deporte.

No justificaré mi ausencia. Ningún discurso de bienvenida. Nada de feliz regreso a casa.

El blog vuelve y punto.

El último post (o "Texto robado") tiene fecha de hace más de un año atrás (un año, tres meses y 27 días, exactamente), y muchas cosas han pasado o cambiado desde entonces: terminé la universidad y conseguí trabajo en un periódico (en la sección de agronegocios y economía), conocí las jornadas de 24 horas, bien vino y ya se fue una muy preciada beca para producir un par de cortos (Alma, La Maga, el Pollo y yo, apachurrados en el carrito blanco camino a Culiacán, unas horas antes de que cerrara el último día de la convocatoria, lamiendo los sobres y buscando como locos la oficina con persianas verdes), aprendí que el "trabajo" no se lleva bien con el TRABAJO; me llovió en Morelia mientras corría para alcanzar la última función del festival; me dejaron las uñas de los pies moradas en el mejor concierto de mi corta vida; llegaron magníficos amigos y se me fueron otros tantos; conocí el San Remo y hasta me gustó la trova (sólo ahí, sólo en el San Remo), me chuté los "Transformers" como 15 veces de tanta ida y vuelta a Culiacán, dejé los agronegocios por la multimedia, llegaron los primeros muertos y yo con mi cámara en la mano; cumplí 24, me dejé la barba, le perdí el amor a MixUp, me deprimí en domingo, fui feliz en lunes, me pregunté mil veces qué hubiera pasado con la beca sin la chamba, ví películas y más películas (nunca suficientes), dejé de ir al Vips, cambié mi PC por una Mac, me quedaron más cortas las camisas, encontré las historias que me mantendrán con vida el 2010 y lo que nos queda de este 2009; se murió Michael Jackson... retomé mi blog.

En fin...

Lo último que me impedía regresar a este sitio era no tener bien definido sobre qué escribir, cómo definir la personalidad de esta bitácora.

Sin embargo, revisando, como todos los días, el blog de José Luis Orihuela, me encontré con el video que a continuación les comparto: Procrastination (Johnny Kelly, 2007), retrato de un término hasta hoy desconocido por mí (aunque al parecer muy popular en la red) y que relacioné con lo escrito por cierto twittero en días pasados: "cuando te pongas a pensar en cuál será el mejor día para iniciar tus proyectos, puedes estar seguro de que ese día fue ayer".

Por lo tanto, sin decir agua va y sin saber a ciencia cierta en qué terminará todo esto: !Va el corto! ¡Diga NO a la Procrastinación!

Texto robado

2008-03-01T18:24:00.001-08:00

Pues sí, en este post les entrego un texto robado. Espero, en nombre de los de Creative Commons, que su autor no me demande por incluirlo en este blog.

HABITOS

Me miro al espejo, estoy gordo, me salen barros aún y no me importa, no cambiaré mis hábitos, seguiré siendo adicto a los chocolates, no pararé de beber cinco o seis cervezas diarias, es uno de los pocos placeres que me quedan. El sexo ya no es lo mío, estoy jodido, no se me para si frente a mi no hay unos senos grandes, ya es un lujo para mi follar. Así que me queda la música, la buena comida, un tinto con cuerpo por las tardes, además leer y las películas. Tengo 31 años, y rezo por no llegar a los 40, mi única esperanza es la cerveza, ese elixir maravilloso puede “matarme”, se que suena exagerado, pero la hernia hiatal desgastada por el alcohol ocasiona rompimiento de várices esofágicas, así que le dedico tiempo. Debo reconocer que de repente soy un marica, cuando escupo sangre por las mañanas paro de beber hasta una semana, pero sintiéndome como nuevo me olvido del asunto y regreso a mi régimen de buena comida, bebida extraordinaria y nada de sexo. Quién podría querer follar conmigo, a las chicas les gusta un hombre “fuerte”, ja, no importa si son ebrios, pero que sean fuertes, a algunas les gusta que les den por el culo, a otras las felaciones interminables, creo yo me quedaría dormido, aunque sería una ventaja, muchas veces por las mañanas cuando despierto mi pene está irreconocible, duro, fuerte, vigoroso, pero que me queda, solo masturbarme pensando en tetas enormes. Y sigo preguntándome, quién demonios soportaría estar dándole y yo dormido, con tremenda erección pero soñando no se que mierdas; por eso, mejor estoy pensando en una mujer fría, en una toda roñosa que odie el contacto físico, una amargada tanto como yo, que se queje del sol, de la gente caminando “contenta” por la aceras… una mujer que escuche conmigo “rape me” de nirvana y se masturbe a mi lado. Mierda, creo pido de más…

De su autor, ese personaje a medias entre poeta beat, músico de jazz y luchador, pueden saber más aquí, así como leer más de sus textos.

Y, como diría Juan: Salud!

A Necessary Death

2008-02-28T17:25:00.000-08:00

Revisando algunas páginas, me encuentro con que los sitios especializados en la cobertura de los diferentes festivales cinematográficos de EU ya empiezan a voltear hacia Austin, Texas, y su SXSW Film Festival; y que hay quienes cada día nos entregan pequeños avances de las películas que allí serán estrenadas.

El caso es que hoy me encontré con el trailer de una película que, (aparentemente) a medias entre The last horror movie y Man bites dog, propone la cobertura completa de un caso de suicidio real (sí, con todo y anuncio en el periódico a la Armin Meiwes, el caníbal alemán).

Dirigida por el debutante Daniel Stamm, la verdad es que no me atrevería a recomendarla pues, primero, no la he visto; segundo, ni siquiera tiene distribuidor y, tercero, vislumbro que con toda probabilidad será un gran bodrio; así que a lo que voy: llama la atención el hecho de que, de un tiempo para acá, la tendencia a realizar filmes que resultan ser (en la ficción) las cintas perdidas de tal o cual evento catastrófico o que entran en el terreno del mockumentary se ha incrementado a niveles que, sí, considero alarmantes.

A continuación, el trailer de A necessary Death:

Ahora, retomando lo que decía: ¿Hasta qué punto este "estilo" ha dejado de formar parte de "una propuesta interesante" para convertirse en una "necesidad del mercado"? ¿Será que el público necesita romper esa barrera que separa lo real de lo ficticio para obtener experiencias más impactantes? ¿Por qué presiento que aquel 11 de Septiembre, con todo el mundo sintonizando canales de TV que transmitían imágenes que sólo creíamos posibles en una película de Roland Emerich o Michael Bay, transformó la conciencia colectiva a tal nivel que, una vez que se ha demostrado que la ficción no puede superar a la realidad, nuestras necesidades nos llevan a requerir algo más cercano a la realidad "documental" de los noticieros y periódicos? ¿Hasta dónde nos llevará esa tecnología conocida como Cine Digital?

Y que conste: el fenómeno más impactante no es la guerra en sí (somos imbéciles por naturaleza), sino el hecho de su transmisión instantánea a nuestras pantallas.

En fin, a estas alturas me parece inocente aquel experimento fílmico de nombre Cannibal Holocaust.

Les dejo algunos ejemplos, ahora sí, para que disfruten, pues todo lo anterior sirvió sólo para darle un mejor intro a estos cortometrajes de Neill Blomkamp, quien durante algunos meses fue el posible director de la versión cinematográfica del video juego HALO y quien, en mi opinión, ofrece algunas propuestas por demás originales relacionadas con el fenómeno que filmes como REC, Cloverfield y Diary of the dead se encargan de propagar.

Por cierto, ¿cómo hemos de llamar a esta nueva ola de películas a medias entre el mockumentary y el cinema verité?

Y finalmente, ¿Es acaso ésta la muestra más clara de lo que, en un futuro, será nombrado en los libros de historia cinematográfica como Cine Post 9/11?

Alive in Joberg

Tetra Vaal (Third World Robocop)

Yellow

Tempbot

HIMENÓPTERO

2008-02-06T07:29:00.000-08:00

Antes de ingresar por la puerta grande al podio de los ganadores con su impresionante Ópera prima Tesis, el español Alejandro Amenábar ya iba dejando rastros de lo que, más adelante, se convertiría en su sello personal.

Alegoría fetichista sobre aquella profecía de McLuhan que reza que los medios de comunicación se han convertido en extensiones físicas del hombre, Himenóptero presenta a la cámara de vídeo como la sustitución de los ojos y, mejor aún, como las pulsiones (deseos) de sus personajes.

Realizado en 1992, este cortometraje nos presenta a ese personaje que, años más tarde, pasaría de ser interpretado por el mismo Amenábar (en el caso de Himenóptero) a Eduardo Noriega, quien lo dotaría de un aire más seductor y, por lo tanto, más inesperado al final de la película (Tesis).

Y ya para dejarlos con el corto, una última pregunta: ¿Dónde anda Amenábar?

Himenoptero
Cargado por cinefalo

El olor de la canela

2008-01-29T08:27:00.000-08:00

Sobre la fecha de estreno de Los Cronocrímenes, en México, no parece haber información. Nadie sabe si hay que esperar para verla en pantalla grande o de plano esperar para encargarla en Amazon.

Además, hace algunos días la United Artist (compañía productora que tiene a Tom Cruise como socio mayoritario) adquirió los derechos para realizar el remake gringo, asignando como responsable del proyecto a Steve Zaillian, guionista de películas como La lista de Schindler, Misión: imposible y, más recientemente, American Gangster.

Sobre Nacho Vigalondo no hay más que disfrutar de un cine que, aunque limitadísimo en recursos, rebosa en ideas y comicidad. Con una carrera relativamente corta, Vigalondo ha logrado implantarse en el imaginario colectivo español y, por qué no decirlo, en el imaginario de todas las personas que acceden a sus obras y textos a través de la implacable red.

Desde aquel cortometraje que lo llevara a la antesala del oscar, 7:35 de la mañana, este showman español ha explorado los caminos de la ciencia ficción de una manera fresca y renovadora, adaptando situaciones fantásticas al universo presente.

Además, para los que se han dado cuenta, el grueso de su trabajo en cortometrajes no es más que su propia escuela de cine (abierta el público): una vaca pastando que sirve como lección de tempo narrativo, un mismo personaje en diferentes dimensiones como un perfecto ejercicio de montaje y un platillo volador como ejemplo del uso del audio en el cine.

En fin, mejor dejo que se presente él mismo. He aquí algunos de sus cortos:

Finalmente, los dejo con el trailer de Los Cronocrímenes:

Y bien, ahora sólo nos queda esperar a que alguien responda la pregunta: ¿Qué llegará primero: la original o el remake?

Trailer e imágenes de SED

2008-01-28T13:19:00.000-08:00

Continuando con SED, les reitero la invitación para que hagan maletas y lo vean en pantalla grande en el Tercer Festival de Cine de Horror Aurora, a celebrarse del 11 al 17 de Febrero en Guanajuato capital.

SED se proyectará el día 12 de Febrero, a las 20 horas, en el patio del ex-convento Jesuita de Guanajuato; junto a otro cortometraje sinaloense: FERPECTO, escrito y dirigido por Roberto Chávez.

Como yo no podré ir, les encargo a todos los asistentes fotos y comentarios del evento y, ya para terminar este post, los dejo con el trailer y algunas imágenes de SED.

SIGNIFICANTE IMAGINARIO parte 3

2008-01-28T13:12:00.000-08:00

La odisea comenzó allá por mayo del 2007. La filmación, digo.

Le llamo odisea porque, como les dije una vez a unos muchachos que vieron el corto, esta experiencia, más que enseñarme qué hacer, me ha enseñado cuáles son las cosas que nunca se hacen cuando se filma una película.

Para empezar, les diré que el calendario inicial de filmación contemplaba 5 días de rodaje que, a fin de cuentas, se convirtieron en 3 meses.

El primer día de filmación (según aquel optimista calendario de 5 días) fue un desastre pues, según nosotros, podríamos terminar 4 escenas completas; así que imaginen el cuadro: en el primer set había alrededor de quince personas (diez de las cuales no tenían nada que hacer allí), el equipo y la utilería estaban regados por todas partes, el diseño de la escena aún no estaba listo y, para empeorar las cosas, había una persona afuera golpeando el auto de los actores y gritando que nos largáramos.

Por supuesto que ese día se fue al carajo.

Una semana más tarde se reanudó la filmación, esta vez en exteriores y, aunque fue un buen día, nos dimos cuenta de que el ritmo sería lento.

La siguiente fecha, en interiores, se destinó al rodaje de una escena con dos actores que, de no haber sido necesario impregnar el cabello de la actriz con pintura para zapatos (era domingo en la noche y el spray para el cabello se había terminado), hubiera sido nuestro más feliz día de filmación.

Y así continúa la lista de percances: en cierta ocasión nos vimos atacados por una banda de pachecos, las pruebas de maquillaje no parecían ofrecer ningún resultado positivo, nadie nos quería prestar una bodega, la cámara se descompuso y hasta Monterrey paró, estuvieron latentes las posibilidades de perder actores que llevaban un avance considerable dentro del corto, etc.

Aún así, nada nos detuvo y a cada problema venía la solución: logramos la versión definitiva del maquillaje, conseguimos locaciones que por momentos parecían imposibles, la fotografía del corto iba muy bien y, lo mejor de todo, la cámara sí tuvo arreglo.

En fin, después de una semana intensa grabando una escena en una bodega y luego del último día en un hospital, el cortometraje quedó terminado a mediados de junio, a eso de las doce de la noche.

Vino la edición, la música y listo: la primera versión del cortometraje vio la luz.

Por cierto, de último momento el título cambió: de VENUS EN LA PIEL pasó a llamarse SED, y el culpable es Víctor Fernández, que por aquel entonces estaba de vacaciones en Los Mochis.

El cortometraje, hasta la fecha, ha sido exhibido en el Concurso de Cortometrajes Cíbola (Chihuahua), en el festival Cine en Corto (Tamaulipas) y próximamente en la Muestra de Cine de Horror Aurora (Guanajuato capital, este 12 de Febrero de 2008).

Por mi parte sólo puedo agradecer a todas las personas que colaboraron en la construcción de SED: a Claudia, Ramón, Sthepanie, Rodrigo, Efrén, Jorge y Gilberto, les agradezco haber aguantado los maltratos a los que fueron sometidos, que van desde desvelos diarios y pintura para zapatos en el cabello hasta quemaduras; a Alejandro, Roberto, Paulina, Alma, Efraín, Reynaldo, Agustín y Axel, les agradezco haber sumado su gran experiencia a este proyecto; a todos, en general, les agradezco la disposición y el permitirme aprender de ustedes.

Sobre SED, espero que les guste y que puedan verlo en alguna de las muestras en que ande circulando, pues todavía le queda corrida.

Sobre nuevos proyectos: dos cortometrajes para este año (de los que ya les iré contando), un festival de cortos y los planes para una película, además de reactivar el blog.

Suerte a todos.

Significante Imaginario (parte dos)...

2007-08-25T11:25:00.000-07:00

¿En qué nos quedamos?

Ahh sí, en que SIGNIFICANTE IMAGINARIO fue entregado exitosamente como proyecto y en nosotros poniendo changuitos para que lo aceptaran.

Dicen que la experiencia te da fortaleza y ciertos parámetros de acción para el futuro, pero en este caso no fue así. Mi experiencia en la producción y promoción de proyectos culturales un año antes fue, hasta cierto punto, gratificante. Me refiero, claro, a la eficiencia y profesionalismo de las personas que están detrás del organismo que califica y aprueba los proyectos, así como a la correcta y oportuna gestión de los recursos para los mismos. Pues bien, del año en que SIGNIFICANTE IMAGINARIO compitió para ser aprobado (2006) no puedo decir lo mismo. Fue una selección de proyectos accidentada, con una convocatoria que apenas estuvo abierta un par de semanas (lo cual es lamentable pues, a no ser que seas la esposa del presidente de aquella institución, para la mayoría resulta difícil –primero- enterarse y –segundo- desarrollar un proyecto completo con todo y cronograma, presupuesto, etc., antes de que cierre la convocatoria) y, si nuestro proyecto logró entrar, fue por que ya nos olíamos todo lo que habría de suceder.

En fin, nosotros ya estábamos dentro y, siendo que los resultados debieron publicarse unas dos semanas después de cerrada la convocatoria, a fin de cumplir con el cronograma planteado en un inicio, pasaron, si no me equivoco, casi dos meses para que dieran resultados definitivos y algo más para que administraran los recursos financieros y nos pusiéramos a trabajar.

Pero, antes de continuar, les presento el resumen del resumen de nuestro proyecto: realizaríamos, entre Sebastián Vivaldi y yo, cuatro cortometrajes ambientados en ésta, nuestra pequeña ciudad cubierta de OXXO´S: Los Mochis, parte del estado de Los encobijados: Sinaloa. Además, ciudadanos de Los Mochis los protagonizarían y nos prestarían sus casas, negocios y hasta el cuartito del tiradero (cada hogar tiene el suyo) para filmar nuestras ocurrencias. Al final, claro, los exhibiríamos en la ciudad y, lo más importante de todo, serían exportados a diversos festivales nacionales e internacionales, con el objetivo de promover la naciente cinematografía local.

Si es que alguien lee esto y no ha tenido la oportunidad de comprar ni siquiera un sobre de Kool-Aid en un OXXO de Los Mochis, Sinaloa, México; debe saber que se trata de una ciudad con una economía netamente agrícola y acuícola (verduras y camarones, pues), con todo y sus cadenas comerciales norteamericanas y restaurantes de sushi. Y, si bien ninguna condición o sistema económico limita las posibilidades culturales e intelectuales de una sociedad, sí que las influye. Un espectáculo cultural para la masa local sería, por ejemplo, ir al antiguo cine (ahora convertido en improvisado teatro) a ver La señora presidenta, aunque me imagino que esto pasa en todos lados.

En fin, a lo que voy es a que ninguna actividad o expresión artística goza de gran popularidad en esta ciudad: a los eventos culturales asisten los mismos de siempre, como ellos se hacen llamar pedantemente (o, como les llamamos algunos: la mafia cultural, jaja) y el horizonte no depara mejores perspectivas. Los pocos espacios que se distribuyen son para la literatura, la pintura, la música y, muy ocasionalmente, para el teatro (y no es que los discrimine). Existe, o existía hasta hace poco, algo parecido a un cineclub (todos los domingos, en una plaza frente a una conocida iglesia local) que proyectaba películas de Chaplin, Keaton, Flynn y demás referencias al periodo mudo. Por lo demás, y cosa rara en estos días, el cine es el arte menos explotado en la región, con pocos espacios y nada de producción local, razón de sobra para nosotros para experimentar con él y medir su alcance a un nivel macro con un objetivo general (conseguir la atención de las sedes de la cinematografía nacional) y varios particulares (atraer muestras y eventos cinematográficos a la ciudad, promover la producción local y sentar las bases de una infraestructura cinematográfica sólida).

(Sí, ya sé que todo suena demasiado ambicioso, pero alguien tiene que hacer el trabajo difícil ¿no?).

El tiempo corrió y a finales de Octubre se dio el banderazo de salida a unos ocho proyectos, entre los que estaba incluido SIGNIFICANTE IMAGINARIO.

Aquella pregunta regresó: ¿Y ahora? Y momentos después dio comienzo la preproducción de los primeros dos cortometrajes, que apenas y tenían la vaga forma de un destello.

Había que regresar al planteamiento, a la búsqueda de un entramado que justificara cada imagen propinada por la inspiración. Tenía dos ideas en mente, a la Dalia Negra y a un par de vampiros, pero ninguna aventajaba a la otra lo suficiente como para escoger. Incluso llegué a elaborar el borrador de la adaptación de un relato de Richard Matheson: Desaparición.

Es aquí donde hace su aparición oficial un personaje que desempeñaría un papel fundamental para el desarrollo del proyecto: el Duende Callejero (con Lucky Strikes incluidos).

Con su ayuda solucionamos los baches de nuestras historias y encaminamos nuestras letras hacia un solo camino: en mi caso, la historia de vampiros.

Es divertido recordar el proceso que siguió esa historia: en un principio, todo lo que yo sabía es que quería contar la historia de una mujer que vivía obsesionada por entregar su amor a un vampiro, y todo lo que tendría que hacer para lograrlo. Esto, lo repito, está inspirado en cierto capítulo de una novela de Clive Barker, y ya casi no puedo creer que al principio se tratara de una historia de amor. El planteamiento evolucionó y llegó al punto de convertirse en una historia de tortura: ¿Hasta donde llegaría la manipulación del vampiro hacia su víctima y hasta qué punto la resistencia de ésta? Días después la historia retrataba a ambos personajes como seres empáticos, luchando por un mismo fin. Recuerdo que había espejos, cajas misteriosas, vehículos que se pierden en la noche, perreras y un hombre mojado por efectos de la lluvia, parado junto al marco de la puerta y prohibida su entrada por la dueña del lugar. La investigación vampírica, indispensable desde el principio, completó los huecos argumentales y, casi al final del trayecto, una vez que hube de recrear el universo completo en que se desenvolvían los personajes, el resultado incluía los siguientes campos: actrices porno, mafia que distribuía pornografía marca propia, un asalto, un secuestro, un clandestino criadero de vampiros, un misterioso hombre vestido de negro, un pacto de inmortalidad, una masacre y, finalmente, una invasión de vampiros. Nada mal, aunque, como decía el Duende, tenía material suficiente para una película de hora y media. Lo ocurrido dentro de la historia se desarrollaba en un lapso de tres o cuatro meses y había que reducirlo, primero, a unas tres semanas.

Pero, antes de continuar, contextualicemos un poco.

Había, dentro de los proyectos que fueron aprobados para su realización ese mismo año, uno que pertenecía a otro compañero de universidad, Macario, que llevaba por nombre Radiovisión y que consistía en la creación de una estación de radio por Internet.

Pues bien, ambos proyectos se gestaban a la par y, en cierto momento, acordamos que el equipo de SIGNIFICANTE IMAGINARIO se encargaría de realizar un programa de cine para la estación. Llegó la hora de ponerle nombre y, aceptando nuestra falta de talento en dicha área, recurrimos a una referencia: el programa llevó por nombre La séptima puerta, como guiño a The seven doors of hell (Lucio Fulci, 1981, más conocida como The Beyond).

Antes de que iniciara el programa sólo éramos dos los integrantes, el Pollo y yo, p ero al momento de transmitir nuestro primer programa ya éramos cuatro: se sumaron al equipo Alejandro Rangel y Fernando Garza.

¿Pero quienes son esos?

A Alejandro lo conocí un año antes, mientras coordinaba el cineclub. Asistía con frecuencia a las funciones y una que otra vez intercambiamos comentarios. Vive en Los Mochis pero es originario de Delicias, Chihuahua, en donde, junto a sus hermanos, trabaja en su propia compañía productora: Sueños Guajiros. Si mal no recuerdo, en aquellas fechas recién estrenaba un corto que él había escrito, La lista, con buenos comentarios de por medio.

A Fernando lo conocí por razones muy distintas: el Pollo, en aquel entonces, comenzaba a plantearse la idea de combinar su trabajo de pintura con otras personas (formar un colectivo, pues), y parece que Fernando andaba en pasos similares. Un amigo en común los puso en contacto y hubo una reunión (en la que estuve incluido) para plantear propuestas, que dio como resultado la formación del colectivo PER-SÉ, integrado por el Pollo (pintura), Fernando (también pintura), Oscar (música), Alejandro (Guionismo), Efraín (escultura) y un servidor (video). No hay necesidad de profundizar en esto.

El programa de radio comenzó y durante su corta existencia pudimos hablar de temas como: cómo hacer cine independiente, cine de horror, cine porno, westerns, recomendaciones de libros y hasta nos tocó la euforia de Los tres amigos. Fueron cinco o seis programas muy caóticos y divertidos, y lo habrían seguido siendo de no ser por que cancelaron nuestro espacio ¿Qué si por qué? Pues, digamos que a la mayor parte del equipo le agradaba el cigarro, y no tenía inconvenientes en demostrarlo en el lugar que fuera, incluida la cabina. Aclaro: no fue esa la única razón, pero sí la gota que derramó el vaso entre varios de los integrantes de SIGNIFICANTE IMAGINARIO y Radiovisión. En resumen, el programa había llegado a su fin, pero lo importante no era eso sino la formación, lograda gracias al programa de radio, del colectivo.

Regreso al guión de los vampiros: estaba lista una versión más corta, pero seguía siendo demasiado. Calculamos que duraría entre media hora y cuarenta minutos. Necesitábamos tijeras.

Por otro lado, se sumaba a la lista de cortos a producir el más reciente proyecto del Duende Callejero: Destello (del cual podrán saber más si entran a su blog).

El guión de Sebastián Vivaldi tomaba la forma de una historia futurista con tintes de film noir (sustancias alucinógenas incluidas).

La historia de los vampiros casi alcanzaba su forma definitiva, ya sin actriz porno y con un fotógrafo en el medio.

Otra cuestión salió a flote: la idea inicial era filmar los cortos en formato de cine digital, pero no teníamos una cámara con esas características ni demasiado capital. Fue necesario recurrir a e-bay y páginas por el estilo. Nada. Las ofertas variaban demasiado en cuestión de horas y se hacía imposible seguirles el paso. Llegó el punto en que dudé del destino del proyecto.

Sin embargo, recurrí a una opción que nunca imaginé que tuviera tan buenos resultados. Desde hacía ya unos dos años, acostumbraba leer el blog de un jóven cineasta de Tijuana, especializado en cine de horror y fantástico, cuyo DVD había adquirido hace poco tiempo. Dicho cineasta respondía al nombre de Aarón Soto. Nunca pensé que respondería el correo que le envié solicitando su ayuda, pero sí lo hizo y de la manera más atenta que se puede imaginar. Nos ayudó a conseguir la cámara que necesitábamos y hasta nos recibió en Tijuana. Esperamos volver pronto por aquella plática pendiente y le deseamos toda la suerte en sus proyectos.

¿Qué más?

En Febrero de este año realizamos un casting al que acudieron aproximadamente 70 personas. Más que suficiente para poblar el universo de los cortos.

El guión de los vampiros llegó a su fase final y, nuevamente, había que ponerle un nombre. Buscando recomendaciones llegué hasta el nombre de una canción de The Velvet Underground: Venus in Furs. De alguna manera sentí que correspondía con cierta idea de mi corto y lo adapté hasta convertirse en Venus en la Piel.

El guión de Destello también encontró su forma definitiva (pues hacía un año aproximadamente que había leído, creo, el segundo draft y, créanme, hay cambios muy interesantes) y Sebastián Vivaldi también tenía su historia.

Hicimos la selección de actores (del casting y externos) y comenzaron las juntas. En el caso de Venus en la Piel, los seleccionados fueron los siguientes: Claudia Arana, Ramón Briceño, Sthepanie Reynoso, Gilberto Gutiérrez, Efrén Hernández, Rodrigo Bojórquez, Jorge Acosta y, más adelante lo sabríamos, Alejandro Rangel.

Una vez confirmado el reparto comenzó el trabajo duro: localizar locaciones y obtener permisos, arreglar vestuarios y obtener la utilería, hacer pruebas de luz, maquillaje, efectos especiales, etc.

Para todo esto conté con la dedicada e indispensable participación de Alejandro Rangel, quien me asistió durante toda la producción y, además, se desempeñó como director de fotografía del cortometraje.

Las locaciones incluían: casas abandonadas, bodegas, hospitales, callejones, aparadores con televisores, un cuarto oscuro de fotografía, un banco de sangre y algunas más. Lo más problemático, sin duda alguna, fue conseguir la bodega, pero eso es parte de la siguiente entrega de este diario retrasado.

Se agradece también a Sueños Guajiros por apoyarnos, desde el estado de Chihuahua, con una parte importante de la utilería.

El maquillaje correría a cargo de Efraín Ochoa (que había conocido gracias a la formación del colectivo) y la música la interpretaría Age of Reason.

La filmación, por fin, se encontraba a la vuelta de la esquina.

Del colectivo PER-SÉ, sin embargo, nadie sabe nada.

(continuará…)

Sobre SIGNIFICANTE IMAGINARIO (Primera parte)

2007-08-06T17:14:00.000-07:00

Esto no es un diario de producción, como debió haber sido. Más bien, siento yo, es como dice la canción: un recuento de los daños.

Pero no hay que ser dramáticos. Más bien, se trata de un resumen de la gestación, desarrollo y conclusión del proyecto que ocupó los últimos 10 meses de mi existencia: SIGNIFICANTE IMAGINARIO.

Y bueno, allá vamos:

Corría el mes de Mayo de 2006 y por fin daba por terminado mi anterior proyecto (EMERGO ZINNEMA, un cineclub enfocado al género de horror y fantástico, y a cuya creación debo la existencia de este blog) cuando me enfrenté a la pregunta inevitable: ¿Y ahora qué?

Pasaron los días, las clases terminaron y yo me la pasaba en la biblioteca de la escuela buscando cortometrajes en You Tube. No es que no pudiera buscar cortos en otro lugar: trabajaba en mi segundo verano científico sobre la obra de Cronenberg y platicaba con los demás veraniegos de aquel año (Víctor, un nayarita que se alojaba con un lisiado que le pedía, como única condición, exprimir un costal de limones cada día, pues se dedicaba a vender aguas frescas en el centro de la ciudad; Paulina y aquel otro cuyo nombre no recuerdo, a quien apodábamos Hitler) sobre nimiedades y la coca cola.

Por aquel entonces, recuerdo, leía Cabal (Clive Barker, 1988).

Además, mis diarias visitas a la biblioteca me acercaban al recuerdo de otro libro, de muy distinta índole: Medicina Forense, edición nosequé, año nosecuál, parte de la colección bibliográfica de la facultad de derecho y cuyas páginas revisé por primera vez gracias a la prestancia de otro amigo, Julio, que muy amablemente lo llevó a mi mesa, como una invitación, hace ya bastante tiempo. En su interior, sobra decir, cadáveres de todas las edades, colores y modelos. Las causas: lo de menos. Pero no era el contenido general del libro lo que resucitaba mi memoria, sino unas cuantas fotografías hechas al cadáver de una mujer joven, muy joven, de piel aún tersa, morena clara, recostada sobre una cama de metal. Su cuerpo estaba casi en perfecto estado, a no ser por una herida a la altura de la ceja (la derecha, lo recuerdo bien) que dejaba entrever el inicio de un abismo.

Sin reservas, se trataba de una mujer hermosa.

Lo que siguió, sin embargo, no lo fue tanto. Resulta que aquella era una sección del libro titulada Metodología de la autopsia histórica, y dicha mujer su protagonista.

Fueron quince o veinte fotos que dolieron.

En fin, de regreso a la biblioteca y al verano, el recuerdo de aquellas fotografías me condujo, una vez más, a otra lectura: La dalia negra (James Ellroy, 1987).

En sus páginas, uno de los protagonistas se ve derrumbado por la obsesión de descubrir al asesino de la Dalia Negra (Elizabeth Short, para los amigos), quien fuera descubierta muerta, violada y mutilada en un lote baldío de Los Angeles. Lo interesante es la reconstrucción del proceso en que Bucky Bleichert transforma un caso policial, ajeno a su vida personal, en un acto de venganza por amor: Bleichert terminará por enamorarse de aquella mujer, de aquel amasijo de carne mutilada, en busca de un ideal: justicia.

Por lo que sea, terminé por relacionar la historia de Bleichert y mi propia impresión de las autopsias, y fue así como surgió el germen de una historia que aún no se ha concretado y que, creo, nunca se concretará. Lo bueno es que, por aquel entonces, yo no tenía ni idea de lo que pasaría y traía entre manos una historia qué contar.

Así, recordé también que cuando decidí fundar el cineclub lo hice porque decidí esperar un poco más antes de dar el salto a los cortometrajes en cine digital. Entonces, un año después, con algunos cortos más en formato MiniDV y con muchas experiencias por delante, decidí redactar un proyecto de producción de cortometrajes.

¿La limitante? Si quería aspirar a conseguir un poco de financiamiento, no podía elaborar el proyecto para realizar un cortometraje, sino varios. Es así como me alío con mi colega Sebastián Vivaldi y decidimos proyectar la realización no de uno, sino de cuatro cortos, cuyo punto más importante era la utilización de cámaras de cine digital y la exportación de los productos finales.

Días más tarde, justo a las 3:30 de la tarde del último día de recepción de proyectos, el nuestro está casi listo: sólo le hace falta título. Que nadie crea que lo hicimos a modo de homenaje y mucho menos por presunción. El título del proyecto tiene un origen y se llama “prisa”, “último momento” o como sea que lo quieran bautizar: SIGNIFICANTE IMAGINARIO.

Y ya para finalizar esta primera parte, sólo afirmar que el proyecto fue entregado a tiempo y que, entre sus páginas, se encuentran los bosquejos de las dos historias que me encargaría de contar: la primera, una mezcla de La dalia negra y algún libro de medicina forense, aderezada con tintes surrealistas; y la segunda, la historia de una mujer enamorada de un vampiro, inspirada en ciertos momentos de Cabal.

¿En qué acabaría todo?

30 DAYS OF NIGHT

2007-06-10T08:19:00.000-07:00

30 días de noche, novela gráfica escrita por Steve Niles e ilustrada por Ben Templesmith, comienza con un pueblo de Alaska en medio de la nada, un mal presagio y un ocaso.
Eben Olemaun y su esposa, Stella, son, respectivamente, el sheriff y ayudante encargados de mantener la paz en el pequeño poblado de Barrow, Alaska, que está a punto de quedarse sin luz solar durante 30 días.
Sólo que los problemas que se avecinan no tienen nada que ver con fallas en el drenaje o con la energía eléctrica, sino con un grupo de vampiros que, al enterarse de que pueden hacer de las suyas durante 4 semanas sin que nadie los moleste, deciden visitar a los habitantes del lugar.
¿La meta del sheriff y sus protegidos? Llegar a ver el nuevo amanecer.

Pese a la rigurosa (y por lo tanto, un poco predecible) estructura circular de la historia de 30 días de noche (a cada ocaso, corresponde un amanecer), la novela gráfica gana precisamente por su sentido clásico a la hora de narrar: personajes arquetípicos, ambiente arquetípico, situación de encierro (arquetípica, claro). En todo caso, lo que la hace sobresaliente es la gran destreza para traducir visualmente cada situación, formando estructuras que, de tan detalladas, nos hacen sonreir con esta gran historia de horror.
Lo malo es que los de Hollywood no pueden dejar en paz a nadie y ya tienen rato preparando el estreno de la película, que actualmente se encuentra en periodo de pos-producción.
El responsable de dirigirla: David Slade, famoso por la sobresaliente participación de su Hard Candy en el festival de Sitges.
¿Lo imperdonable? Josh Harnett, en el papel del sheriff.
Les dejo el trailer:

DE EDUCACIÓN GLOBALIZADA E IMÁGENES PARA LOS SENTIDOS

2007-04-11T00:29:00.000-07:00

Al hablar de la globalización en relación a sus efectos sobre la cultura educativa, nos viene inmediatamente a la cabeza aquella expresión de “extensión y comunicación”.
Una vez que la fiebre de la globalización ha cesado de cegarnos, se ven, decantados, multitud de problemas relacionados con las “verdaderas” fuentes educativas que controlan el actual panorama de la enseñanza.
Si, una vez analizado el problema de la globalización en relación al desarrollo económico de los países, nos dimos cuenta de que la globalización sólo es un control disimulado de los “poderosos” sobre los “subdesarrollados”, en materia educativa se habla de desigualdades muy similares.
En materia de desarrollo científico, son los países con más altos recursos los que producen el conocimiento que se difunde en el mundo entero. En relación a las demás áreas del conocimiento, son también dichos países los que controlan el entorno.
La educación que se imparte en los países subdesarrollados depende, entonces, directamente de la información que se produzca en las naciones dominantes. De ahí que se pueda hablar de un control educativo por parte de las naciones dominantes.
Esto es, además, el inicio de un control cultural no por adaptación, sino por las mismas bases de los educandos.
Por otra parte, ya que hablar de educación en la era globalizada no se limita a hablar de control, también se puede anotar la sugerencia de una enseñanza ya adecuada a esta era de espacios ilimitados.
Hablar de globalización, entonces, es hablar de libertad y proliferación de información.
Nuestro entorno está repleto de información, nuestro tiempo mismo ha adoptado el pseudónimo de “era de la información”.
A donde sea que miremos encontramos información: cualquier actividad, por más simple que sea, en este mundo globalizado, requiere del procesamiento de grandes cantidades de información. Se han generado, incluso, tal cantidad de información, que ya no sabemos distinguir entre calidad o desperdicio.
En cuanto a la educación actual, nos enseña a maniobrar dentro de ese mundo de procesos. El problema reside en que, a tal cantidad de datos e instrucciones, no se ha añadido una forma accesible de aprehenderlos.
Los datos, la información, está codificada en comandos y fórmulas, más aritméticas que sensoriales, más maquinales que sensitivas.
La educación, entonces, en la época de la globalización, debería enfocarse a la reinvención de sí misma en un contexto saturado de información.
Esto es, además de educar para decodificar, se debería educar para reinventar los códigos en formas más universales.
Tal vez lo anterior suponga un proceso globalizador más intenso, pero no creo que se pueda hablar realmente de globalización hasta que la educación supere la barrera de los idiomas y las ecuaciones para ubicarse en contextos más inmediatos, más en tono con la creación de un verdadero lenguaje universal.
Un lenguaje, por supuesto, que supere las barreras de los ámbitos económicos.
La educación, en la era globalizada, para ser más justa, debería comenzar por crear lenguajes más globales, mensajes que puedan ser entendidos en cualquier parte; y no hablamos sólo de imágenes que generen sensaciones, sino de imágenes que simulen palabras, enunciados y procesos.
Además, la cultura, más allá de transculturación o aculturación, debería de tornarse en un ente más heterogéneo, un ente que nos permitiera trascender en seres, realmente, más universales.
Así, más allá de control educativo, control de la información o desventajas del fenómeno, la educación debería generarse a sí misma a través de un desarrollo de lenguajes nuevos, lenguajes globalizados y más en tono a los sentidos, lenguajes que nos hagan traspasar las barreras materiales para convertirnos en seres verdaderamente universales.
Por lo menos para mí, hacia ese punto apunta la situación actual de la cultura.
Educación pro-activa es lo que necesitamos si queremos información democrática, generada por todos y para todos, sin mediador alguno.

ASK THE DUST

2007-03-08T00:52:00.000-08:00

Para Charles Buckowsky, que debe estar retorciéndose en la tumba (y que tanto gustaba de ASK THE DUST)

Si bien Juan Rulfo hablaba de fuego entre las letras, James "Thunder" Early clamaba por su Soul y Jackson Pollock promovía las virtudes creativas de su Action Painting, no nos cabe duda, hoy día, de que el fuego, intensidad y espontaneidad de una obra de arte, la que sea, puede reducirse al envase acartonado de un litro de leche.
El mismo Arturo Bandini, después de permanecer con los bolsillos y el estómago vacíos durante varios días, accede, por petición de su vecino Hellfrick, a robar unas cuantas botellas de leche del camión repartidor mientras aquel distrae a su ocupante. Cuál sería su sorpresa al descubrir, después de dar un gran trago directo del envase y escupirlo con iguales ganas, que no es precisamente leche, sino una especia de suero con sabor a leche, lo que contienen las botellas. Leche rebajada, agua con polvo saborizante, una imitación, una mala copia.
La escena anterior, perteneciente a la más reciente adaptación cinematográfica de ASK THE DUST, de John Fante, funciona como metáfora del efecto que tiene la cinta sobre los espectadores que, aunque minoría, esperábamos con ansias esta adaptación al cine de la más célebre novela del escritor Trash por excelencia. La esperábamos, aunque con ansias, también con un poco de recelo, pues las pistas ya venían cayendo del gastado saco y las migajas no conducían, precisamente, a un lugar iluminado. Su paso por las carteleras fue discreto y no hubo resonancia en el público o la crítica.
En ASK THE DUST (Robert Towne, 2006), no nos enfrentamos al dilema normativo de establecer una distancia entre la obra original y su posterior adaptación, es decir, entre una novela y su película. La secuencia de los créditos iniciales nos deja ver, sobre un buró, a media luz, un ejemplar de ASK THE DUST, mismo que, una vez abierto por una mano que, podemos deducir, es la del propio Bandini, nos deja penetrar en el universo de una novela sobre una ciudad (Los Angeles), un periodo de tiempo determinado (la depresión económica posguerra de los Estados Unidos), y unos jóvenes personajes hambrientos de oportunidades.
Arturo Bandini (Colin Farell, mal como casi siempre) es un jóven italo-americano con deseos de convertirse en un célebre escritor, publicar la más emocionante e intensa historia de amor que hayan conocido las letras inglesas y redimir su deseo de amar al hombre, a las bestias y a todo lo que le rodee, siempre y cuando ese todo tenga el cabello rubio, los ojos azules y una silueta esbelta de piel cremosa. Para esto, Bandini abandona su originario Colorado y se desplaza a Los Angeles, ciudad que, por lo menos en su imaginario, le ofrece todo lo que necesita.
Hospedado en una pensión que apenas puede pagar, sin trabajo, sin inspiración y sin dejar de presumir la única publicación de un trabajo suyo que poseé (un ejemplar llamado “El perrito rió” en el que, sobra decir, no hay ningún perro involucrado), Bandini consume sus días y recicla las colillas aplastadas en el cenicero; hasta que, cierto día, conoce a una joven mexicana (Salma Hayek) que trabaja como mesera en un café que acostumbra visitar. Sus encuentros con la jóven, de nombre Camilla, no serán los más afortunados a partir de entonces pues, si bien él ha sido víctima de la discriminación que un apellido italiano provoca en una sociedad tan cerrada como la americana de mediados del siglo XX, él tampoco tiene el camino fácil al aceptar lo que siente por aquella mujer morena, bajita y que, en vez de zapatillas, calza huaraches.
Sus desventuras con Vera Rivkin (Idina Menzel), una mujer marcada por atroces cicatricez y a quien ayuda a redimir frustraciones ya de antaño; la correspondencia sostenida con Richard Mencken sobre la publicación de sus relatos en un conocido fanzine, y el extraño triángulo amoroso que sostiene junto a Camilla y al extraño barman del café, Sammy, completan la travesía de Bandini por un mundo no tan fantástico como la novela que desea escribir; acumulando, en vista de su carencia, experiencias que llenen, uno a uno, los capítulos de un libro que tarde o temprano habrá de rodar por el desierto.
Claro que se agradece a Robert Towne su aportación en Chinatown (Polanski, 1974), el haber dado un respiro de aire fresco al film noir cuando más lo necesitaba. El detalle está en que, si bien su intención era darle vida a una historia ambientada, igualmente, en los años cincuenta, debía prestar más atención a la intención del libro y no a generar un contexto, o, por lo menos, no en el sentido en que lo ha hecho, privilegiando el lucimiento de su diseño de producción en vez de la situación socio-cultural imperante.
ASK THE DUST, en la versión que de ella hizo Towne, se estanca en la historia de amor que da pie a la creación de una novela, y no permite la circulación de la historia en su aspecto más importante: la creación, ante todo, como vehículo de redención, la energía y el coraje de un joven escritor dispuesto a luchar contra los cánones estéticos y personales en el momento menos adecuado, el fuego que con letras grabó Fante en toda una generación y que, ni siquiera a nivel de dirección, logra desafiar su director. Towne se queda corto al emular una voz narrativa poderosa con una dirección bastante perezosa, se regodea en pasajes que transforma en pura cursilería (la escena en que Bandini y Camilla nadan en el mar), y apuesta, lamentablemente, todo el peso de su película a una pareja protagonista bastante deslucida (aunque muchos puedan sentir feo, Salma Hayek es lo peor de la película).
En fin, ASK THE DUST cierra su camino como una obra superficial y malograda, tanto a nivel argumental como técnico: ni su historia de amor, una vez hecha la reducción imparcial, funciona por inverosímil y acartonada; ni su intento por recrear Los Angeles de los cincuenta, todo como filme para la televisión, deja de ser pobre en su intento de fastuosidad.
Un acartonado bote de leche. Leche de imitación.

¿FACTOTUM? ¿Alguien dijo FACTOTUM? Habrá que esperar.

VINCENT

2007-02-27T09:15:00.000-08:00

And the Raven, never flitting, still is sitting, still is sitting

On the pallid bust of Pallas just above my chamber door;

And his eyes have all the seeming of a demon's that is dreaming

And the lamp-light o'er him streaming throws his shadows on the floor;

And my soul from out that shadow that lies floating on the floor

Shall be lifted--nevermore!

The raven, E.A.P.

En 1982, Tim Burton, harto de las extenuantes limitaciones a que era sometido por el imperio Disney, logra reunir a los animadores Rick Heinrichs y Steven Chiodo para realizar VINCENT, cortometraje animado en la más adelante popularizada técnica del stop-motion.

Basado en su propia infancia y en la gran admiración que sentía por Vincent Price (uno de los íconos del horror gótico más notables del siglo pasado), Tim Burton construye esta bellísima fantasía en blanco y negro y sienta las bases de lo que más adelante sería su multiconocida estética personal (mezcla de arte gótico, expresionismo y horror), llevada a la pantalla en cortometrajes y películas como Frankenweenie (1984), Beetle Juice (1988), The Nightmare Before Christmas (1993) y Corpse Bride (2005), por citar algunas.

Burton, en este, su primer cortometraje, demuestra que el horror y la pasión van de la mano, y que, más allá de miedo, es belleza, tristeza y compasión lo que despiertan unas cuantas líneas de un poema como El Cuervo, de Edgar Allan Poe.

Like this… ¡Nevermore!

Happiness in Slavery + NIN

2007-02-22T21:06:00.000-08:00

Happiness in Slavery, by Nine Inch Nails

slave screams he thinks he knows what he wants
slave screams thinks he has something to say
slave screams he hears but doesn't want to listen
slave screams he's being beat into submission
don't open your eyes you won't like what you see
the devils of truth steal the souls of the free
don't open your eyes take it from me
i have found
you can find
happiness is slavery
slave screams he spends his life learning conformity
slave screams he claims he has his own identity
slave screams he's going to cause the system to fall
slave screams but he's glad to be chained to that wall
don't open your eyes you won't like what you see
the blind have been blessed with security
don't open your eyes take it from me
i have found
you can find
happiness is slavery
i don't know what i am i don't know where i've been
human junk just words and so much skin
stick my hands thru the cage of this endless routine
just some flesh caught in this big broken machine

THE LIFE AS A MCGUFFIN

2007-02-22T07:54:00.000-08:00

A Marion Crane, y a todos los McGuffins del mundo.

Dice Ernesto Diezmartínez, en su Pequeño Glosario de Pedantería Cinéfila, que un McGuffin es ese elemento básico e indispensable para que una historia avance y los personajes de una película justifiquen sus acciones, muy a pesar de que dicho elemento, más allá de ser el catalizador de otra cosa, no tenga la más mínima importancia.

Es decir, que nos enfrentamos al fósforo que enciende la mecha que desencadena un desastre, por encima de que, sobre dicho fósforo, nadie vuelva a saber nada nunca jamás.

Un McGuffin, por lo tanto, es como esa colilla de cigarro que provoca el estallido de una ciudad entera; o como la maleta de Marion Crane (o la misma Marion Crane) que, aun siendo la responsable de que Psicosis exista, no pasa de ser la víctima necesaria para resolver un misterio mayor.

La vida de un McGuffin, entonces, no es diferente a la de una herramienta. Marion Crane no pasó, ni pasará, a ser más útil que un martillo o una llave de tuercas.

Es triste la vida de un McGuffin. Utilitaria.

Lo más triste es que no sólo en las películas existen los McGuffins.

Es triste por cuestiones de justicia.

Hay personas que ese papel juegan en nuestras vidas. Son catalizadores, motores de arranque, taladros, martillos... y por más importante que sea el papel que jueguen, no pasarán de eso... un triste, sucio y apestoso McGuffin.

Es triste, como ya dije, por cuestiones de justicia, de practicidad.

Sin ellos la trama no avanza; pero llega el momento, siempre, en que indiscutiblemente han de desaparecer, a riesgo de convertirse en una carga innecesaria, que no permita el correcto desarrollo de la película.

Es triste... pero necesario.

UNIVERSAL SOUL

2007-02-22T00:39:00.000-08:00

El Internet, como un nuevo medio a mitad de una revolución de información, más allá de la mecánica y la electricidad, tiene la capacidad de transformar en invisible lo concreto.
Disuelve el componente físico de un libro, de una carta, de una conversación entre dos o más personas.
Modifica el tiempo en que vivimos, el ritmo en que envejecemos.
La era eléctrica materializó el tiempo en un segundo, lo tornó material al mismo instante.
La era de la información, en conjunto con lo aportado por la electricidad, se transforma en tiempo mismo, privada del esfuerzo físico que produce un resultado.
No existe causa ni efecto en la era de la información.
No existe la memoria en la era de la información.
La memoria está en las máquinas, que hasta eso hacen por nosotros.
El Internet no acorta distancias, sino que conecta fantasmas.
Al ser una herramienta, y requerirse un dominio de dicha herramienta, el Internet transforma en máquina al humano, en cerebro que la guía para valerse por sí misma.
Tiempos nuevos requieren cambio de papeles.
Las computadoras, el Internet, forman su esencia en el espacio, sin cuerpo, simple humo de cigarro.
El Internet, en relación a las máquinas (a las computadoras), funciona como un ALMA.
El ser humano, desde el alma misma de las máquinas, corre el riesgo de volverse invisible, no ya en relación a la materia circundante (árboles, autos, casas, tierra, agua, etc.), sino en relación a los humanos mismos.
Determinar el impacto de Internet sobre la sociedad equivale a descubrir la sensación de un hombre frente al cálido aliento de una mujer invisible.
No se hable de democracia o derechos de autor.
Discútase sobre una sociedad que, en medio de una tremenda necesidad de renovar sensaciones y sentidos, se adentra en una etapa de distancias, de pantallas como rostros y teclados como lenguas imparables.
De la construcción del alma sí se habla. Del hombre como dios.
Ya no basta con materializar la vida en físico. Hablamos de crear esencias, de dotar de fibras a lo tangible: crear desde el origen espiritual de la materia.
Se trata de crear nuevas formas de trascendencia.
En la era de la información, trascender no es aportar ni crear más información, es convertirse en información, disolverse en códigos binarios y, tal vez, algún día, formar parte de esa gran prefabricada alma universal.

SHIVERS o Parásitos en el Rascacielos

2007-02-21T15:44:00.001-08:00

Después de dos años, he aquí una prueba de que, mientras más gusanos, sangre, sexo y axilas asesinas haya en la película, el rarito David Cronenberg tiene más que decirnos con esos filmes suyos que, de tan alejados de las convenciones del género de horror, dan forma a un género propio, capaz de adueñarse de novelas tan distantes entre sí como Naked Lunch, Crash o The dead zone.

Lo que sigue no es una reseña, es un intento de indagar en el primer largometraje de David Cronenberg y los senderon que, seguramente, en algún punto se bifurcan.

SHIVERS
(They Came from Within / The Parasite Murders).
Canadá, 1975, 87'

Director: David Cronenberg
Productor: John Dunning, André Link, Ivan Reitman.
Producción: DAL Productions Ltd. con la participación del CFDC.
Guión: David Cronenberg.
Fotografia: David Cronenberg, Robert Saad, en color.
Música: Ivan Reitman.
Montaje: Patrick Dodd.
Sonido: Michael Higgs.
FX especiales de maquillaje y criaturas: Joe Blasco.
Intérpretes: Paul Hampton (Roger St. Luc), Joe Silver (Rollo Linsky), Lyon Lowry (Forsythe), Alían Migicovsky (Nicholas Tudor), Susan Petrie (Janine Tudor), Barbara Steele (Betts), Ronald Mlodzik (Merrick), Barrie Baldero (detective Heller), Camille Ducharme (Mr. Guilbault), Hanka Posnanka (Mrs. Guilha~t), Wally Martin (el portero), Al Rochman (Parkins), Julie Wildman (Miss Lewis), Arthur Grosser (Mr. Wolfe), Edith Johnson (Olive), Dorothy Davis (Vi), Fred Doederlein (Emil Hobbes).

ARGUMENTO:
En la torre Starliner, un avanzado complejo habitacional, el doctor Emil Hobbes experimenta con la creación de parásitos regeneradores de órganos. El problema comienza cuando el experimento se sale de control y los parásitos se convierten en una especie de virus afrodisíaco, transformando a los habitantes de la torre en zombis hambrientos de sexo.

PLANTEAMIENTOS GENERALES:
La acción se desarrolla en la torre Starliner, un moderno edificio de departamentos ubicado en la isla del mismo nombre, a las afueras de Montreal. Dicho edificio está equipado con todos los servicios que una comunidad humana pueda necesitar:
Estacionamiento, piscina, campo de golf y de tenis, restaurantes, tiendas departamentales, farmacia, dentista, consultorio médico y hasta decoración vanguardista y hermosos paisajes . Dicho inicio, por la forma en que está estructurado (como una serie de diapositivas narradas) nos da la impresión de un estilo documental debido a la sencillez y realismo de los planos, así como escasos movimientos de cámara que narrarán de ahí en adelante la historia, con lo cual Cronenberg introduce al espectador en el ambiente clínico y austero del resto de la cinta.
Ahora, para comprender las razones de posteriores analogías, detengámonos primeramente en algunos postulados de Jaques Lacan, principal difusor de las teorías de Sigmund Freud e importante teórico de los fenómenos de la percepción humana.
Dice Lacan: La verdad está estructurada como una ficción , y nosotros, los seres humanos, para darle forma a esa ficción, nos valemos de modelos como la metáfora y la metonimia para representarla. Pero puesto que nuestra verdad es sólo una representación y no una “verdadera verdad”, lo único que hacemos es representar su ausencia, la llamada castración simbólica .
Lacan ha definido a lo Real de manera diferente en momentos diferentes: la primer definición, allá por los años cincuenta, se refiere a un núcleo duro que se resiste a la simbolización, a la dialectización, que persiste en su lugar y siempre regresa a él. Más adelante, en los años sesenta y setenta, lo Real se acercó a lo que en los años cincuenta llamó lo “imaginario”. Tomemos el caso del trauma: en los años cincuenta, en su primer seminario, el suceso traumático está definido como una entidad imaginaria que no ha sido aún plenamente simbolizada, que no se le ha dado un lugar en el sujeto simbólico del sujeto (Lacan, 1988, capítulo XXII); pero en los setenta, el trauma es Real, es un núcleo duro que se resiste a la simbolización, pero de lo que se trata es de que no importa si el trauma ha tenido lugar, si ha ocurrido realmente en lo que llamamos realidad; de lo que se trata es simplemente de que produce una serie de efectos estructurales (desplazamientos, repeticiones y demás). Lo Real es una entidad que se ha de construir con posterioridad para que podamos explicar las deformaciones de la estructura simbólica. La paradoja del real Lacaniano es, pues, que éste es una entidad que, aunque no existe (en el sentido de “realmente existente”, que tiene lugar en la realidad), tiene una serie de propiedades: ejerce una causalidad estructural, puede producir efectos en la realidad simbólica de los sujetos .
Ahora, si definimos al Metalenguaje, según Lacan, como esa forma de expresión en que “digo exactamente lo que quiero decir”, en la que no hay posibilidad de equivocación respecto al significado del significante que comunico, también tenemos que tomar en cuenta que el mismo Lacan afirma que el metalenguaje no existe . Esto es lógico, pues si somos seres que construyen su verdad a través de representaciones que son la ausencia de su objeto, no podemos tener un Metalenguaje que diga exactamente lo que queremos decir. Entonces de lo que se trata es siempre de una diferencia entre sujeto (el representante de la ausencia) y el objeto (lo Real que representamos).
En base a lo anterior, la autosuficiencia de la torre Starliner y sus habitantes nos remontan a varias referencias (objetos de lo real): primeramente a la historia de Canadá, más específicamente a la historia de Québec.
En 1534, Jacques Cartier atracó en Gaspe (hoy tierra canadiense), realizando así la primera conquista, a nombre de Francia, en lo que hoy se conoce como Canadá. Más tarde, en 1608, Samuel de Champlain descendió en un lugar que los indios nativos llamaban Kébec. La conquista francesa se aceleró entre los años de 1660 y 1713, hasta que dio inicio la llamada guerra Franco-Británica, en la que Francia, al resultar vencido por el ejército inglés, cedió el territorio Canadiense.
En 1791, el acta constitucional de Canadá estableció dos provincias: el alto Canadá (la actual provincia de Ontario), mayoritariamente anglófono, y el bajo Canadá (la actual provincia de Québec), mayoritariamente francófono. Más tarde, después de la fallida rebelión de los patriotas del bajo Canadá (que aun mantenían su esencia francesa), se firma el acta de América del Norte Británica, efectuándose una nueva división de provincias: Québec, Ontario, Nueva Brunswick y Nueva Escocia. A este respecto, George Etienne Cartier, uno de los padres de esta federación junto con Macdonald, dijo que esta nueva división era “un pacto entre dos pueblos diferentes: los franco-canadienses y los ingleses. La verdad, el trato no ofrece nada, y la gente de Québec no está reconocida como una parte igual en este trato. Québec no es nada más que una provincia entre cuatro ”.
Con los años, y nuevas divisiones territoriales (Canadá actualmente se encuentra dividido en diez provincias), la situación de Québec no ha cambiado mucho. Los años sesenta, con la elección de Jean Lesage como primer ministro quebecoa, marcaron el inicio de la llamada “Revolución tranquila”, respondiendo así a una gran necesidad de cambio y renovación del pueblo franco-canadiense: el gobierno tomó el control del sistema escolar (hasta entonces en manos de la iglesia), el ministro de recursos naturales, René Lévesque, compra y nacionaliza todas las compañías de electricidad en la provincia y crea “Hydro-Quebec”. Finalmente, los quebecoas toman el control de su propia economía y fundan cada vez más y más empresas y compañías.
Además, en 1960 se funda la “Rassemblement pour l´ indépendance nationale” (Unión por la Independencia Nacional), con lo cual empezaría una serie de movimientos ideológicos e incluso armados (recordemos el asesinato del ministro quebecoa Pierre Laporte a manos de un grupo terrorista a favor de la liberación de Québec) que buscarían lograr la independencia de la provincia de Québec como un pueblo autónomo de origen francés .
De esta manera, podemos establecer una comparación entre la torre Starliner y la provincia Canadiense de Québec, pues ambas subsisten por sus propios medios, independientes de la sociedad en general, ubicadas en sus propios territorios y adaptadas a sus usos y costumbres. (Hay que hacer notar que, aunque David Cronenberg no sea originario de Québec, sino de Ontario, dichas provincias son colindantes en el mapa territorial, además de que el movimiento de liberación quebecoa ha llamado la atención del país entero).
Con la explicación anterior establecimos la primera similitud de la torre Starliner como la representación de un referente externo perteneciente a la Realidad. Ahora, este marco de independencia y autosuficiencia en cuanto al exterior sería explotado de una manera parecida por George A. Romero en Dawn of the Dead (1978), ubicando a sus personajes en el interior de un centro comercial, autosuficientes por sí mismos y cumpliendo la fantasía de todo consumidor: vivir de tiempo completo en un Mall center.
Ahora ¿Cuál es la premisa de Shivers? En esta ya mencionada torre, el doctor Emil Hobbes ha creado un parásito que, una vez que tiene contacto con los seres humanos, convierte a estos en desquiciados enfermos hambrientos de sexo.
Siendo la estructura del film un esquema tradicional dividido en introducción, nudo y cierre, Cronenberg plantea la razón de la epidemia desde los primeros minutos de la cinta: después de la secuencia de las diapositivas narradas en que conocemos todas las características de la Starliner Tower, comienza la secuencia en que acompañamos a Mr. y Mrs. Sweden a conocer el edificio, dentro del cual Emil Hobbes experimenta ilícitamente . Sintagma alternante en que lo primero es llegar al edificio dentro del automóvil de la pareja Sweden, para después verlos entrar en el lobby de la torre, siendo recibidos por el guardia de seguridad que los hace aguardar un momento mientras llama al gerente del edificio; en este momento, la alternancia del sintagma nos lleva a la habitación de la joven Anabelle, de 19 años, que opone resistencia contra la puerta, forcejeada por el doctor Emil Hobbes, que al fin consigue entrar. Cambio de secuencia, de nuevo con la pareja Sweden: Mrs. Sweden pregunta al guardia de seguridad si ha usado alguna vez su revolver, a lo cual él responde: “oh, no, es sólo un requisito de la empresa”. Cambio de secuencia: el doctor Hobbes forcejea con la joven Anabelle, tratando de someterla; pasamos a la secuencia de los Sweden: el gerente del edificio ha llegado, los invita a pasar. Corte a la secuencia del doctor Hobbes, que finalmente logra atrapar a Anabelle, estrangulándola enseguida. La pareja Sweden, sentados frente al escritorio del gerente del edificio, presta atención a las comodidades de la torre que les comunica el funcionario. En el departamento del doctor Hobbes, éste deposita el cuerpo de Anabelle sobre una mesa, desabotonándole la camisa y dejando su pecho desnudo. Añadimos una secuencia nueva: Nick Tudor, de frente al espejo del baño, presenta síntomas de una especie de dolor estomacal, su esposa entra a preguntar por su estado, él dice que está bien y luego sale (ya vestido) a desayunar. Volvemos al doctor Hobbes, que prepara un escalpelo y después abre el estómago de la joven con el mismo instrumento. Ahora estamos presenciando el desayuno de Nick con su esposa, Janine, durante el cual ambos se muestran serios y callados (esta parte se muestra como la antítesis de los Sweden, quienes llegaron al edificio practicando toda clase de muestras de afecto), reflejando la frialdad de su matrimonio. Pasamos a Emil Hobbes, que, después de vaciar en el estómago de Anabelle una especie de líquido corrosivo, se suicida cortando su garganta con el mismo escalpelo con que abrió el estómago de la joven. Finalmente, seguimos a Nick: él ha salido de su casa y sube al elevador, se encuentra ahí con el gerente del edificio y la pareja Sweden, ellos bajan, él continua y, por último, al descender del elevador y entrar en el departamento 1511, encuentra los cadáveres de Anabelle y el doctor Hobbes.
Mediante este sintagma alternante (es decir, narrativa en paralelo que implica simultaneidad temporal ) que conocemos el desencadenante de la historia de Shivers, mismo que puede ser concebido como una fábula moral, pues Nick, al serle infiel a su esposa y mantener relaciones sexuales con Anabelle, será castigado siendo el causante de la epidemia de parásitos.
Volviendo a lo anterior, y después de dejar en claro el origen del desastre, profundicemos en los dos móviles de la diégesis de la película: el sexo y las enfermedades.
Ubicándonos históricamente, Shivers, aunque fue estrenada en 1975, venía gestándose como guión a partir de 1970. Ahora, a principios de la década de los sesentas, surgió como resultado del repudio de los jóvenes hacia la guerra y las instituciones capitalistas la famosa “Revolución sexual”, misma que afectó durante más de una década el pensamiento juvenil en el mundo, incitando a cuanta persona no hubiera a “unirse con el prójimo” en un acto de amor universal. La invención de la píldora anticonceptiva y la filosofía del “do your own thing” hicieron que los jóvenes del mundo se lanzaran a tener relaciones sexuales a niveles estratosféricos, pues la “píldora” era el nuevo seguro contra los embarazos no deseados .
Y es que Shivers, en este aspecto, es como una representación total de esta “Revolución”, incluso en el ámbito de la igualdad de las preferencias sexuales: en la película presenciamos actos tanto heterosexuales como homosexuales, tanto entre personas de la misma edad como entre viejos y niños (el ejemplo perfecto sería la escena del ataque en la piscina, donde Roger St. Luc finalmente es contagiado por los zombis ).
Un dato curioso es que Cinepix/DAL, la compañía productora que financió Shivers, se dedicaba con anterioridad a la realización de películas Soft-Core (es decir, películas cargadas de contenido erótico), y la producción de Shivers respondió a una necesidad de expansión de mercado (pues, aunque estaban presentes en Canadá y Europa, todavía no tenían una presencia importante en el mercado estadounidense), para lo cual el género de horror combinado con el sexo (no hay que olvidar la importancia del sexo en aquella época) era la mejor y más rentable herramienta .
Así, aun con toda la euforia que provocaron los movimientos de desenfreno sexual en el mundo, las consecuencias no se hicieron esperar, pues tal cantidad de sexo a nivel mundial provocó que las enfermedades venéreas, que existían en mucha menor medida, alcanzaran niveles epidémicos, además de originar el surgimiento del cáncer cérvico-uterino. Por otro lado, recordemos que: Celio Aureliano comparaba término a término el desenvolvimiento del acto sexual y el desarrollo de una crisis epiléptica; encontraba en ellas exactamente las mismas fases: “Agitación de los músculos, jadeo, transpiración, revulsión de los ojos, rojez del rostro, luego palidez y finalmente debilidad del cuerpo entero”. Tal es la paradoja de los placeres sexuales; la alta función que la naturaleza les ha confiado, el valor de la sustancia que tienen que transmitir y por consiguiente que perder: eso mismo es lo que los emparienta con el mal .
Es este miedo a las nuevas enfermedades, así como su propagación epidémica, lo que hace que tanto el problema como la posible salvación de la historia de Shivers se desarrolle en ambientes asépticos, además de ser el protagonista de la cinta el doctor Roger St. Luc.
Ahora, ¿Qué entendemos por “enfermedad”? Atendiendo a términos académicos tenemos que una enfermedad es una alteración de la salud, un trastorno anormal del cuerpo o la mente, es la alteración del ámbito moral o espiritual, una anomalía en el funcionamiento del cuerpo. En Shivers hay una enfermedad, una anomalía que altera el comportamiento normal de los habitantes del edificio, un parásito que convierte a sus infectados en algo subversivo socialmente, una enfermedad que “es el amor entre dos criaturas extrañas”, una enfermedad que, profundizando, se descubre como la protagonista del filme, pues como el mismo Cronenberg dice: “…the film is from the point of view of the parasite ”. Enfermedades que subvierten, que corrompen, siendo la corrupción entendida como la alteración de la estructura de los cuerpos, conductas anormales que transforman a la comunidad de la Starliner Tower, the parasite murders.
La representación de esta corrupción la encontramos en la secuencia en que Betts, la amiga de la esposa de Nick, es atacada por un parásito . Dicha secuencia se ubica dentro de un sintagma alternante dividido en tres partes: la primera, cuando Betts prepara el agua de la tina para darse un baño; la segunda, en que Roger St. Luc y Rollo Linsky descubren las razones ocultas del experimento de Emil Hobbes (que se constituye a sí misma, dentro ya de su original sintagma alternante, como un sintagma paralelo, es decir, dos motivos que se alternan sin una clara relación temporal o espacial); y la tercera, la ya mencionada secuencia en que Betts es “penetrada” por un parásito (que, por cierto, tiene una forma que oscila entre un pene y excremento). En dicho momento, Betts, que se encuentra tranquilamente reposando en el agua de su bañera, no se percata de que el tapón del desagüe ha salido de su lugar y, por lo mismo, ha dado libre paso a uno de esos ya mencionados parásitos, el cual, avanzando poco a poco entre sus piernas y sin que ella se de cuenta, se adentra en su cuerpo de manera feroz.
Ahora, regresemos al tema de las diferentes representaciones evocadas por el edificio.
En la diégesis de la película, la torre Starliner se presenta como el universo en el cual se desarrollan los personajes y sus acciones. Si hacemos una analogía, la invasión de los cuerpos humanos por parte de los parásitos se asemeja a la invasión del edificio (de los habitantes no infectados) por parte de los zombis enfermos; y al final de la película, con la salida de los zombis a la ciudad, encontramos la misma analogía entre la sociedad de la torre Starliner y la población de Montreal. En pocas palabras, lo que hacemos es comprobar la afirmación de Cronenberg respecto a que la película está desarrollada desde el punto de visa del parásito, pues la trama de la misma se comporta como el desarrollo de una enfermedad, invadiendo parte por parte el organismo sano y expandiendo su territorio de poder.
Además, volviendo a Lacan, podemos afirmar que, ya que Cronenberg buscaba simbolizar el estado de enfermedad de un ente biológico, no podía hacerlo tal y como debía ser, es decir: “representar el estado de enfermedad de un ente biológico”, pues de esta manera no nos encontraríamos frente a una representación (principal fuente del cine), sino ante un vano enunciado. En cambio, al establecer la figura del edificio, Cronenberg ha implantado un sujeto (el edificio) que representa la ausencia de su enunciado “representar el estado…”. Sólo que para terminar esta explicación hace falta aclarar un detalle: dicha concepción de lo Real como la representación de la ausencia, corresponde por equivalencia con el concepto del fetiche: al descubrir el niño que su madre no tiene pene y desarrollar un miedo inconsciente hacia la castración, lo que hace es crear una nueva definición que encubra su descubrimiento, es decir, que después de que su creencia original es que “todos los seres humanos tienen pene”, formará otra como “no todos los seres humanos tienen pene”, pero no eliminará la primera, sino que vivirá con ambas a la vez.
Ahora, el niño, para ocultar su miedo a la castración (a continuar constatando su descubrimiento), buscará detener su mirada sobre lo que más tarde se ha de convertir en su fetiche (ropa interior, medias, calzado, etc.): la fijación sobre este justo antes es la forma del repudio, es la manera de dar otra forma a lo que no podemos soportar.
El fetiche siempre representa al pene, siempre es su substituto, tanto si se produce por metáfora como por metonimia. En suma, el fetiche representa al pene en tanto que “ausente”, es su significante negativo, su suplente, pone un lleno en el lugar de una carencia, pero de esta forma también afirma esta carencia. El accesorio se convertirá en la condición de asentamiento del poder y del acceso al goce: el fetiche siempre es material .
Por lo tanto, tomando en cuenta la última afirmación de la explicación de Christian Metz (“el fetiche siempre es material”), podemos establecer que, siendo el edificio Starliner un objeto material, inanimado, que representa la ausencia de una propuesta real, es, ante todo, un fetiche.
Por otro lado, deteniéndonos simplemente en lo Real Lacaniano, entendamos lo que éste quiere decir en cuanto a la famosa invención de Hitchcock: el MacGuffin.
El MacGuffin, atendiendo a su significado más acertado, es un puro pretexto para poner en marcha la historia, pero en sí no es nada , es decir, no es de mayor importancia para la diégesis; en otras palabras: no existe, pero produce un giro decisivo. A este respecto señalamos a dos de los Macguffins que funcionan de manera más importante en Shivers: Mr. y Mrs. Sweden y Nick Tudor.
Hablando de la pareja Sweden, no tiene más importancia que la de adentrar al espectador en el edificio y en su doble ambiente. Respecto a Nick Tudor, la única función que cumple es la de mostrar la evolución de la enfermedad, pues es el único habitante que nos deja ver, de manera más exacta, la evolución que tiene la enfermedad en su cuerpo (además del ya mencionado aspecto de la fábula moral). De ahí en adelante, la existencia de Nick está sumida en la más pura y libre esencia de un MacGuffin.
Pasando a otro tema, la carga sexual contenida en Shivers nos remonta a uno de los principales tratados sobre la sexualidad humana: el psicoanálisis de Sigmund Freud.
Desarrollado por el mismo Freud y aplicado desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX, el psicoanálisis marcó el pensamiento universal al proponer arriesgadas propuestas respecto a los móviles de la vida humana. Freud, tras señalar que la mente humana se mueve en distintos niveles (consciente, inconsciente; Ello, Yo, Super-yo), propone que el hombre y su comportamiento están regidos por impulsos pulsionales (pulsiones), las cuales adquieren energía para satisfacer todas las necesidades básicas primarias, entre las que encontramos al hambre, la sed, la evitación del dolor y, por supuesto, el sexo.
Freud propone la división de estas pulsiones en dos campos: las pulsiones de vida (líbido) y las pulsiones de muerte (Thanatos).
Las pulsiones de vida perpetúan (a) la vida del sujeto, motivándole a buscar agua y comida y (b) la vida de la especie, motivándole a buscar sexo; lo cual Freud estableció como la búsqueda más importante que realiza el ser humano; además, no olvidemos que desde el Tótem y el tabú, el complejo de Edipo y la división de los estadios sexuales del hombre (etapa oral, anal, fálica, de latencia y genital), Sigmund Freud convirtió al hombre en un ser totalmente sexual .
A través de esto podemos hacer referencia, en Shivers, a los experimentos del científico Emil Hobbes para la creación de un parásito de efectos afrodisíacos, así como a la lectura que de sus manuscritos hace Rollo Linsky, socio de Roger St Luc: “el hombre es un animal que piensa demasiado, ha sobrerazonado y ha perdido contacto con sus instintos y con su cuerpo” y para eso “la creación de un parásito que es una combinación de sustancias afrodisíacas y enfermedades venéreas que convertirán al mundo en una gran y hermosa orgía”, esto último, referencia a la ya mencionada “revolución sexual”. Este descubrimiento se lleva a cabo en uno de los sintagmas alternantes más redondos de la película (que es además el nudo), pues, mientras el doctor Roger St. Luc escucha a Linsky revelando el contenido de los manuscritos de Hobbes, es a la vez testigo de cómo su enfermera y novia se desnuda frente a él . (Recordemos también que este sintagma se encuentra dentro de otro: ese en que Betts prepara su bañera y posteriormente es invadida por un parásito)
Entonces, podemos deducir que los experimentos científicos de Emil Hobbes serían algo así como llevar a la práctica extremista las teorías de Freud, y así eliminar toda la frialdad entre las personas; representada por el personaje Nick (el primer portador de los parásitos) y su esposa Janine.
Ahora, remontémonos a otro diálogo en la película, el efectuado entre el protagonista, el joven doctor Roger, y su novia enfermera, la cual le dice en cierta parte de la historia:

“Roger, tuve un sueño perturbador. Me encontré a mí misma haciendo el amor con un hombre extraño, solo que tenía problemas por que él era viejo y se estaba muriendo, y olía muy mal, y yo lo encontraba repulsivo. Pero entonces él me dijo que todo es erótico, que todo es sexual, ¿Tú sabes a qué me refiero? Él me dijo que aun la carne muerta es carne erótica, las enfermedades son el amor de dos criaturas extrañas, que incluso morir es un acto erótico, que hablar es sexual, que respirar es sexual, que incluso la existencia física es sexual. Y yo le creo, e hicimos el amor hermosamente ”.

Como se puede notar, la teoría del psicoanálisis de Freud está contenida a lo largo de todo el diálogo, incluso en la parte en que la joven enfermera dice que “morir es un acto erótico”, ya que se remonta a la “pulsión de muerte” de Freud, en la que dice que si bien todos los hombres buscamos satisfacer nuestras necesidades, buscamos no tener ya nunca más esas necesidades, lo que equivaldría a estar muerto, un estado de no dependencia material mejor conocido como “nirvana”.
De igual forma es importante notar que la forma fálica que presentan los parásitos sexuales de la película recuerdan a los postulados psicoanalíticos respecto a la importancia simbólica del pene.
Ahora, en base al Tótem y tabú , encuentro el siguiente planteamiento: si el origen del Tótem es el asesinato del padre por parte de la tribu (debido a que la imagen del padre como La Ley impedía la realización del incesto entre los miembros de la tribu) dio origen al tabú, entendiéndose éste como la representación de la prohibición a manos de las normas morales y restrictivas, ¿Qué habría pasado de no ser asesinado el padre? ¿Qué habría sucedido si en vez de haber sido asesinado, el padre se hubiera suicidado? La respuesta a este planteamiento la vislumbro en el desarrollo de Shivers, pues, tras haberse suicidado el científico Emil Hobbes, creador del parásito y, por lo tanto, simbolismo de La Ley, la situación sexual del entorno se sale de control, siendo los resultados la representación de los efectos provocados por la ausencia del “padre” y creador de los parásitos, organismos creados para estimular las pulsiones sexuales de los individuos.
También se encuentra similitud con el mito judeokabalístico del Golem , el cual se refiere a la creación de un autómata a base de arcilla, mismo que cobra vida una vez que la palabra “emeth” (verdad) es escrita en su frente, funcionando en vida como el sirviente de su creador. De igual manera, es posible destruirlo borrando la primera letra de la palabra escrita, dejando solamente “meth” (muerte) como la representación de su fin. Parte de este mito se refiere también a las situaciones en que los creadores del Golem han perdido el control de las criaturas, teniendo graves consecuencias algunas veces. En el caso de Emil Hobbes, al no poder controlar el Golem que había creado, el suicidio fue la mejor opción.
Pasando al área médica, cabe mencionar que todo el ambiente clínico y quirúrgico que da pie a los acontecimientos de la historia se ubica contextualmente dentro de la llamada “Revolución transplantológica”, que se inicia en 1933 con el primer transplante de órganos (en Rusia, de riñón), y que más tarde dará inicio al llamado movimiento bioético que, a partir de 1967, con el primer transplante de corazón, se desarrolló de manera importante .
En suma, Shivers es una película que, surgida en la misma época que otras como The Texas Chainsaw Massacre (Tobe Hooper, 1974) y The hills have eyes (Wes Craven, 1977), tiene propiedades que la hacen una obra de autor única entre ellas, pues, aunque comparten una línea temática referente a individuos que viven en aislamiento y de pronto son molestados por agentes exteriores, la cinta de Cronenberg marca la diferencia con ese horror médico y orgánico que, enmarcado en una estética documental, proporciona resultados verdaderamente perturbadores.
Su violencia es cruda y proviene del miedo a la corrupción de los organismos, de nuestro propio organismo, pero, por otra parte, según Thomas Caldwell: Shivers could well be the first parasitic feel-good film .
Mucho podemos discutir sobre el final de Shivers, pero lo cierto es que se trata de un final feliz, una satisfactoria conclusión pues, ya que hemos seguido toda la película desde el punto de vista de los parásitos, lo menos que podemos hacer es sentirnos felices por su triunfo.
David Cronenberg dijo: I don't think natural selection, as Darwin understood it, is really at work any more as far as human evolution is concerned. I think something more along the lines of nuclear disaster is perhaps a natural part of our evolution. It may be a strange philosophy, I'm not sure. But my instincts seem to suggest that we were meant to tamper with everything – and have done – and that this will reflect back on us and change us.
A fin de cuentas, tal vez la enfermedad no sea tan mala, nadie muere por su culpa (de las cuatro muertes registradas en la película, tres fueron ejecutadas por no-infectados y una, el asesinato de Rollo Linsky a manos de Nick, fue en defensa de los parásitos), tal vez esta enfermedad moderna, este Golem de fin de siglo, sea sólo parte de una nueva evolución.

DARKNESS

2007-02-10T10:52:00.000-08:00

my heart - my love
one word - and gone
to stay - i will
believe and pray

to see - to feel
to hear - to be and gone
how can i get close to you?
how can i - the foolish one?

beauty can't be seen but only kissed
i have so much love to give
but where are you and how to be reached?

can i talk - can i speak?
and can i lay my head on you?
can i choose and can i say
i love you?

darkness surrounding me
my head hangs low
your arms are far
your breath takes me
besides - i am in love
i'm loving you - but you
so far from me - i'm holding out
your words - your face - your breath
your touch - your heart should cover me
but all you do is watching me
so i dismiss the grace of you
and far beyond the darkness grows
which leads me back to all my roots
the longing and the pain
in darkness and disgrace

beauty can't be seen but only kissed
i have so much love to give
but where are you and how to be reached

Letra de Darkness, de Lacrimosa

DE MÁQUINAS PENSANTES, ÓRGANOS MECÁNICOS Y UNA QUE OTRA OVEJA ELÉCTRICA PERDIDA

2007-01-20T23:56:00.000-08:00

Durante los primeros minutos de Tetsuo (The Iron Man, Shinya Tsukamoto, Japón, 1989), vemos cómo un hombre, de aspecto más enloquecido que apacible, camina entre los interminables corredores de una fábrica abandonada hasta encontrar una suerte de cuarto de herramientas, lugar en que se practica a sí mismo una extraña cirugía: después de seccionar su muslo derecho por la mitad, introduce en la herida, como si fuera un sustituto de su estructura ósea, una gruesa barra de acero; después de lo cual comienza a correr como loco por las calles y da pie al surgimiento del Tetsuo: una especie de organismo mitad carne-mitad máquina que, como habrán de imaginarse, marca sólo el inicio de esta historia.

El fragmento anterior, perteneciente a uno de los íconos primeros de la New Japanese Horror Wave (en el caso de cine), viene a colación como un primer dato (no en función de la cronología, sino de la iconicidad) de nuestro tema principal: el CyberPunk.

Fundamentalmente, podemos dividir la definición de este concepto en dos campos: la Cyber, donde los implantes, la realidad virtual, la ingeniería genética y demás parafernalia de alta tecnología cobran su razón de ser al servir como instrumento para potenciar las habilidades humanas; y la Punk, reflejo de sociedades caóticas, donde la violencia urbana, la contaminación, la balcanización y el individualismo feroz, entre otros aspectos muy poco fantásticos, dibujan un futuro muy poco esperanzador. Además, para una comprensión más completa del tema, debemos añadir también la definición de ciberespacio, entendido por William Gibson como: una perspectiva de unión entre redes telemáticas y realidad virtual; es decir, un espacio en que converge lo concreto del pensamiento humano y lo fugaz e inmaterial de su sustancia.

Ahora, el Cyberpunk como aplicación deriva en una nueva bifurcación: por un lado, lo referido al Cyberpunk como ideología y, por otro, al Cyberpunk como corriente estética. Dicha separación no implica una divergencia absoluta de fondo y forma, sino que, más bien, se hace necesaria debido a la inexacta respuesta a la cuestión de cuál surgió en reacción a la otra.

El Cyberpunk, como ideología, es heredero de la tradición libertaria individualista norteamericana, y se define por la desconfianza respecto a las posibilidades de control social abiertas por la nueva tecnología. Es aquí donde las teorías que Marshall McLuhan expusiera hace más de 40 años (en 1964, exactamente) en su libro Understanding Media: The extensions of man , dejan de ser interesantes y visionarias para convertirse en sofocantes y aterradoras pues, al ser visionada la evolución del hombre como el paso de una era mecánica a una eléctrica, se deduce ya no sólo un control físico de los individuos, sino también uno mental y emocional, intangible e inmediato.

Los cyberpunks son personas que, a través de la estructura virtual que les proporcionan incontables redes unidas de computadoras (Internet, pues) deciden formar grupos de “liberación” de información”, mejor conocida como Hacking, con el objetivo de liberarse de la opresión y el dominio de las grandes corporaciones que, a través del ciberespacio, controlan el mundo (esto con sus debidas reservas, claro; además de no obviar que no pocas personas aprovechan las cualidades del Hacking para convertirse en expertos fraudeadores de empresas e instituciones bancarias).

Por el otro lado, en lo referente al Cyberpunk como corriente artística y estética, no nos equivocamos al hablar del cine como su primer antecedente pues, al haber nacido en pleno auge de la revolución industrial, el cine se integra a la cultura popular como la más importante forma de arte moderno (entendido el arte moderno como la expresión que depende de una o varias herramientas tecnológicas; en este caso, la cámara de cine).

La ciencia ficción, como género cinematográfico, es tan amplia y variada que conviene reducir su definición a toda película que en su trama desarrolle mundos, personajes y fábulas fantásticas, entendido lo fantástico como lo increíble, lo maravilloso y lo visionario.

El Cyberpunk, dentro de la anterior definición, se ubica en la ciencia ficción visionaria, por ser ésta la encargada de registrar obras futuristas y de anticipación.

En primera instancia, el Cyberpunk, dentro de la ciencia ficción cinematográfica, se concentra en la visión de la tecnología y sus productores como entes de control, estructuras sin vida que manejan la existencia de los hombres a su antojo; se trata de una tecnología que, en manos de unos pocos, es utilizada para coartar la libertad, como herramienta de sometimiento. Y, si bien, al principio eran los hombres los que manejaban dicha tecnología en beneficio personal, más adelante serían las propias máquinas quienes tratarían de imponer su control sobre los hombres. El paso de la era mecánica a la era eléctrica, tal como lo postulaba McLuhan, tiene su propio espacio en el mundo del cine: pasando por un Viaje a la Luna (Georges Meliés, 1902), en donde la invención de un cohete espacial pondría en tela de juicio el acostumbrado modo de vida terrestre; pasando por los Tiempos Modernos (Charles Chaplin, 1936), en donde el modo de vida industrial mecanizaría en formas inimaginables las costumbres de las personas; hasta Blade Runner (Ridley Scott, 1982) y Terminator (James Cameron, 1984), en donde las máquinas han pasado de ser herramientas funcionales el hombre a sus propios ejecutores.

Tal vez el acontecimiento más importante para esta ciencia ficción tecnológica sea la invención y popularización de las computadoras, que en aquel entonces pronosticaban sendas guerras de control y dominación, debido al novedoso término de inteligencia artificial.

De hecho, es una de las películas antes mencionadas, que trata el tema de la inteligencia artificial y sus consecuencias, la que definiría de manera más sólida la estética del movimiento Cyberpunk: Blade Runner.

Si bien Metrópolis (Fritz Lang, 1926) se ciñe a la estética gótica y art deco, propia de un expresionismo alemán discreto y elegante, Blade Runner desciende de la misma influencia alemana heredada por el cine negro norteamericano y francés: decorados oscuros, de silueta recortada por luces y sombras marcadas y una noche que parece no terminar jamás. Dichos escenarios, adaptados a un filme futurista, se refuerzan mediante otros elementos de vestuario propios del noir clásico: largas gabardinas negras, mujeres vestidas con elegantes vestidos de noche, etc.; además de otros detalles más propios del naciente Cyberpunk: el color negro, los cromados, luces de neón, ropas de cuero y gafas de espejo.

La temática de Blade Runner, adaptada de la novela Do Androids Dreams of Electric Sheep?, es tal vez la mejor adaptación cinematográfica de una obra de Philip k. Dick (faltará ver lo que Richard Linklater hace con A Scanner Darkly), uno de los autores más reconocidos en el mundo de la ciencia ficción, y relata la historia de Richard Deckard, un agente de la ley que se ve involucrado en la misión de exterminio de un grupo de replicantes (androides de forma humana, que son utilizados como esclavos en la edificación de construcciones en otros planetas) que ha escapado de su estación y regresado a la tierra con planes de venganza pues, debido a que dichos androides han sido desarrollados con la habilidad de pensar por sí mismos, han desarrollado un complejo sistema de emociones que les permite descubrir las injusticias a que han estado sometidos. El problema aquí es de orden moral: ¿De verdad dichos androides tienen derecho a reclamar su explotación, siendo que sólo son invenciones del hombre? ¿Soñarán los androides con ovejas eléctricas?

Una obra que nada le debe a las fantasías idílicas de Isaac Asimov, Blade Runner se alza como la piedra angular del movimiento cultural Cyberpunk.

De hecho, es a partir de esta película (y de la propia obra de Philip K. Dick) que la literatura Cyberpunk fija su rumbo, dotando de la misma atmósfera decadente y opresiva a las novelas y cuentos que la forman, siendo Neuromancer (William Gibson, 1984) su máximo exponente y, junto a Gibson, Bruce Sterling (Mirrorshade, Cheap Truth) y Neal Stephenson (Snow Crash) sus máximos representantes.

En la actualidad, el Cyberpunk ha sido adoptado, con gran éxito, por un amplio sector de los medios de comunicación japoneses: desde el ánime, tanto en largometrajes como en seriales (con Akira a la cabeza, pasando por Ghost in the Shell, Appleseed y la teleserie Lane); hasta las películas propiamente dichas (Tetsuo, de Tsukamoto; y Kairo, de Kyoshy Kurosawa). Es, precisamente, la creciente ola de horror tecnológico japonés (los medios de comunicación como vehículo de entes malignos: los celulares de One missed Call, los televisores y videocasetes de Ringu, los ordenadores de Kairo) la que permite que, en 1999, se estrene la cinta más popular basada en la estética y temática Cyberpunk: The Matrix (escrita y dirigida por los hermanos Wachowsky). No se afirma que esta película sea la mejor en su género, pero, definitivamente, su estilizado diseño de producción (estética de cine negro futurista, una versión actualizada de Blade Runner) y la actualidad de su argumento (la existencia de una compleja “red” informática que controla la existencia de los hombres; basada sin tapujos en el conocido Internet) la erigen como la más imponente de su tipo, secuelas incluidas.

Así pues, el Cyberpunk, más que una contracultura (como en sus inicios debió haber sido planteado), resulta no ya una fuente de obras de anticipación (como también al principio lo era), sino más bien un conjunto de rasgos, tanto ideológicos como estéticos que, por su misma actualidad y naturaleza virtual, resultan invisibles.

Bien dice Sean Axmaker, columnista de la revista virtual GreenCine Daily, al respecto de la ciencia ficción: …science fiction has always been more accurate at reflecting the conditions of its own time than predicting the details of things to come…

THE TEN STEPS

2007-01-20T22:49:00.000-08:00

Para La Maga, que le teme a la oscuridad, este corto de Brendan Muldowney, alumno aventajado irlandés que da al traste con todos aquellos que tanto esperaban el ingreso de Nacho Cerdá al terreno de los largos.

HARVEY vs. UDO

2007-01-19T16:01:00.000-08:00

Con ver lo que se produce en las escuelas de cine y artes audiovisuales de Australia, es suficiente para mandar ciertos lugares a la MIERDA.

EL TREN DE LA BRUJA

2007-01-19T13:06:00.000-08:00

7:35 de la mañana no me gustó demasiado; pero en este corto de Koldo Serra, Nacho Vigalondo demuestra que su verdadero fuerte reside en el guionismo.

DE TARDES PERDIDAS Y UNIVERSOS INTERIORES

2006-12-12T13:30:00.000-08:00

Para el Sr. Roberto Chávez, que tanto blasfemó aquellos tristes días.

En Noviembre de este año llegó a los Mochis la 5ª (y tal vez la última) Feria del libro Los Mochis 2006, y, aunque ya hace rato de aquello, más que reseñar los eventos ocurridos en esas fechas vamos a relatar un pequeño detalle desconocido para el público.

Al Sr. Roberto Chávez, artista de pincel veloz especializado en expresionismo y joven fumador soltero empobrecido, le fue encomendada, como parte de su trabajo en el área de difusión de la feria del libro, la tarea de realizar un spot televisivo para la promoción del evento.

Paso seguido, el Pollo, como es mejor conocido el señor Chávez, se dirige a este que escribe para proponer la realización del spot como un trabajo en equipo entre los dos. Claro, acepté.

La realización del guión se llevó a cabo sin mayores complicaciones.

El problema, y la pesadilla del Pollo, comenzaron con el proceso de grabación. Una vez que conseguimos la cámara de la Universidad para grabar el trabajo, las complicaciones vinieron del lado de los actores. La idea inicial era filmar todo el mismo día y, si al principio teníamos una semana libre para trabajar, los días pasaron y llegó el momento en que sólo nos quedaba una noche, otro día y otra noche. Roberto Chávez berreó, fumó, maldijo e insultó.

La presión que, nos imaginamos todos los que fuimos testigos de su berrinche, caía sobre sus hombros lo hizo mandarnos a todos al carajo y a retirarnos la palabra durante algunas afeminadas horas. Hubo que devolver la cámara a la universidad y el Pollo se volvió intratable.

Por suerte, todos los que lo tratamos conocemos el método para calmarlo: regalarle un cigarro.

Por fin, después de un día intenso consiguiendo utilería y actores (o lo más parecido), el spot fue grabado en Hi8 y editado toda una noche.

Por la mañana, Roberto fumaba de gusto y yo confirmo que es un excelente productor.

De cualquier forma, el spot fue rechazado por ser considerado violento por los organizadores y ahí quedó toda esa semana de trabajo (porque el trabajo frustrado también es trabajo).

Aquellas fueron tardes perdidas y, por desgracia, soy de los que considera que es mejor tarde que nunca...

SONRISA DE GATO

2006-12-09T23:26:00.000-08:00

Atendamos a definiciones.

La novela negra es, como la definió Raymond Chandler en su libro El simple arte de matar, la novela del mundo profesional del crimen. Debe su nombre a dos factores: a que originalmente fue publicada en la revista Black Mask de Estados Unidos y en la colección Série Noire francesa, así como a los ambientes “oscuros” que logra. El término se asocia a un tipo de novela policíaca en la que la resolución del misterio no es el objetivo principal; es habitualmente bastante violenta y las divisiones entre el bien y el mal están bastante difuminadas; además, la galería de personajes que desfilan en sus páginas nace del arquetipo del individuo derrotado, en decadencia, que busca encontrar la verdad o algún atisbo de verdad.

Dejando atrás los antecedentes meramente detectivescos del género, adivinados ya en Los crímenes de la calle Morgue de Edgar Allan Poe o en el Sherlock Holmes de Conan Doyle, la novela negra como tal nace en los Estados Unidos de las primeras décadas del siglo XX, con la Ley Seca, el crack del 29, la crisis comunista y su consabida persecución roja como trasfondo sociológico: el divertimento burgués, la forma de refinado pasatiempo y el aparente desenfado con que los escritores de aquellos años permeaban el panorama literario estadounidense, cedieron el paso a temáticas sobre gangsters, crimen político, canibalismo económico, ambición, poder, gloria y dinero, factores todos que pervierten el supuesto sendero del bien por el que habremos de circular todos los seres humanos, según cuenta el cliché. Claro que nada es gratuito, y semejante lista de placeres culposos no se deben sino a la rabia, el coraje y la fuerza de una voz narrativa dispuesta a denunciar los males que aquejan a su sociedad, en representación directa de sus habitantes y como responsabilidad inherente a su oficio.

En términos estéticos, al igual que en cuestiones de fondo, la novela negra clásica adopta una postura austera, reseca, de estilo antiretórico y de ritmo rápido, cargados sus diálogos de un realista argot policial y criminal; desarrolla ambientes y personajes propios de una cultura urbana, en donde buenos y malos se confunden hasta fundirse en uno sólo.

Tales son, a forma de resumen, los principales postulados que forman la base de la estructura de la novela negra, en sus orígenes tanto espaciales como temporales.

Pasado el aburrido breviario cultural, continuamos con lo que nos atañe: la presentación de Sonrisa de Gato, el primer y más reciente trabajo literario del autonombrado “chilango renegado” Jorge Moch, periodista, caricaturista y escritor, que, dicho sea de paso, no ha venido aquí a presentar ninguna novela negra, o mejor que lo decida cada quién al final de esta breve charla o al final de la página 376.

Sonrisa de gato narra, en dos líneas diferentes que terminan por encontrarse, las historias de Félix María Cabral, alias “El gato”, y su sobrino Marcial, ambos seres alienados, ambos outsiders en contra de su voluntad, o al menos así en un principio.

Como fábula, el punto de partida es el encuentro de dichos personajes: Félix, primero hijo de familia adinerada, formado en la hipócrita élite industrial a la que posteriormente tendría que rendir tributo, decide escapar, motivado por aquella distante y prometedora juventud, a la lejanía de la sierra de Chihuahua, al pueblo del que ya no regresaría por lo menos en esencia, al Monasterio aquel que lo vería dormir a él y a sus fantasías con la Juanita, especie de ninfa de la nieve y las ventiscas; lugar aquel en que se gestarían si no sus primeros rencores, sí los primeros detonantes; lugar del que habría de huir para siempre regresar en sueños, en divagaciones provocadas por la espera, en la vigilia forzada de un cuarto de hotel y la mano bajo la almohada, sostenida por la culata la inminente fiereza del revólver.

Ahora Félix es el jefe de una temida banda de mercenarios, dedicada a perpetrar los más violentos asaltos, consecuencias aparte, a fin de obtener jugosos botines destinados, eso sí, a la causa guerrillera, de contrainteligencia mexicana, encargada de propinar severos puntapiés a las espinillas de las instituciones nacionales, gancho al hígado a los organismos de represión ciudadana como el ejército, y directo a la nariz del propio capitalismo industrial.

Esto es, pues, repartir violencia con todas las de la ley, justificar el acto delictivo enarbolando la bandera de la causa o, como se vería más adelante, de la hipocresía; y es que los principios primeros, el motor original del que parte el movimiento de la célula de terroristas, termina por deteriorar, hincada la zapatilla del poder sobre el ojo de la resistencia, vejada su alma ética, como la llama Jorge Moch, por la delicia de satisfacer los intereses personales.

Por otro lado está Marcial, hijo del acaudalado funcionario público Guillermo Farías, éste último reciente prófugo de la justicia a causa de la senda de corrupción que ha venido trazando tras de sí, senda por la cual han transitado desde siempre su esposa e hijos y que los conducirá, una vez que su padre y marido huya de la escena junto con su amante, al salón de las humillaciones y la mirada pública, lugar del que cada uno de ellos habrá de salir como mejor le sea posible.

Refugiadas su madre y sus hermanas con una tía, Marcial decide pasar unos días en casa de su mejor amigo, el Bola, después de lo cual regresa con su madre sólo para volver a escapar, esta vez, sin sospechar todo lo que vendría por delante, a casa de su tío Félix, el Gato.

Es este punto de convergencia, el momento en que dos generaciones igual de enrabiadas se unen para soldar sus destinos, para disparar juntas el revólver del resentimiento, el que da origen a la pregunta fundamental del libro: ¿en qué momento, en qué lugar hemos decidido que lo que hacemos está bien o mal, y que no solamente somos víctimas de aquello que algunos llaman destino y otros indiferencia, que de verdad cabalgamos nosotros esas riendas y no vamos por el mundo sintiendo al cuello la soga de lo indescifrable? ¿Por qué cosas debemos sentir culpa y por cuáles no?

Sonrisa de Gato nos deja, como toda novela que se precie de valor, más preguntas que respuestas.

Terminado el relato, cerrada la cuestión inmediata de las consecuencias del asalto a un camión de valores, finalizado el aspecto pragmático de la narración, lo que continúa, lo que da verdadera fuerza a la novela, es el aspecto emocional y psíquico de sus personajes: una vez transpuesto el aspecto plástico, la forma inmediata que permite hacer inteligible cualquier historia; una vez que hemos superado el aspecto argumental y nos adentramos en el alma de la novela, ese aspecto metafísico que tan caro resulta al lenguaje superar, encontramos la esencia de la propuesta: detrás de los actos, detrás de la cultura del hampa reflejada en cada página, detrás de la violencia que termina en carnicería de hotel, siempre hay seres humanos y, por lo tanto, siempre hay causas y siempre hay motivos.

Y para el que piense que ya he revelado demasiada información sobre la novela, le aviso que no hay nada menos cierto, pues, precisamente, esa virtud de la que hablo, ese gran acierto de Moch, es que la novela en sí es un punto de partida.

Tal vez por eso el fragmentado estilo de narrar, la consabida influencia cinematográfica del montaje en la literatura, el arte de robar a la linealidad su base conceptual para depositarla en otra parte, en la construcción de otros destinos y otros sujetos. Tal vez por eso es que percibimos a los personajes, más que como actores en acción, como espíritus en reflexión, más como torbellino interno que como ráfaga de balas, aunque estas abunden a lo largo de la historia.

Sacerdotes en ardiente pecado carnal, amas de casa orilladas a la más descarada de las extorsiones, agentes judiciales no encargados precisamente de verificar el cumplimiento de la ley, exmilitares formando parte de guerrillas, asaltantes malencarados pero amables cuando se requiere, políticos corruptos pero con responsabilidad de padre de familia, caciques de la sierra, mujeres regalando su amor a despiadados mercenarios, fantasmas… todos ellos desfile de curiosidades en Sonrisa de Gato, curiosidad que surge no del mote extravagante, sino de la intensa dualidad, el fragoroso instante en que se discierne frente al crucero de oportunidades.

Ahora, llegados a este punto, cabe regresar a una pregunta ya formulada: ¿es o no es Sonrisa de Gato una novela negra?

La propuesta de su presentador es que sí, en efecto, Sonrisa de Gato posee elementos propios de la novela negra, aunque no llega a emularla por completo.

En su paralelo encuentra el elemento de reacción, la denuncia de una carencia o exceso vivido al interior de una sociedad, personificado esta vez por aquel conocido de siempre, el muy cercano para nosotros: político corrupto.

Dice Jorge Moch, en entrevista para Milenio, que “la atmósfera de descomposición social en la que vivimos ha permitido el resurgimiento de este género (el negro)…”.

Dicho clima descompuesto, avivado el fuego con escándalos y demás noticias de tan políticas casi ya de nota roja, alimenta el fuego de nuestros escritores hasta llevarlos a los senderos de la dramatización sin concesiones, el realismo extremo y su franco desembocamiento en lo que en México se conoce como literatura del “ampa”, por asignarle un nombre de acuerdo a la región.

Mientras que en Estados Unidos la novela criminal, del ampa, negra o como quiera llamársele, fincaba sus bases en la lucha por el poder, el dinero y las mujeres sin más ni más, en Latinoamérica, en México en esta ocasión, la estructura no parte de algo tan simple, sino de la relación que resulta de ese abuso de poder y los más desprotegidos, las víctimas.

En ese punto se ubica Sonrisa de Gato y si menciono que, en mi opinión, no es al cien por ciento una novela negra, es porque me parece que se ubica, no sin tropiezos, un paso adelante, más allá del móvil argumental para tornarse trascendente.

Finalmente, es importante mencionar el papel que todo escritor debe desempeñar al interior de una sociedad, principalmente como vigía, retratista y reportero de su tiempo y espacio, denunciando desde las injusticias cometidas a su pueblo, hasta la falta de imaginación en el mismo. Se pueden mencionar cientos de problemas que merecen denunciarse: corrupción, abusos, crimen, muertes por violencia… inclusive la literatura, un problema como cualquier otro que engendra gran cantidad de vagos y revoltosos en todos los rincones del país.

APUNTES VIEJOS PARA AACI

2006-12-09T14:11:00.000-08:00

El 2006 se termina y deja en el aire su olor a humo y a viaje catártico. No ha sido fácil su inicio y, ya para terminar, duras pruebas tocan a la puerta. De cualquier forma, no importa que sea Diciembre y que sean precisamente estas fechas las que se escojan para retomar proyectos atrasados.

Aquí, en Los Mochis, en Sinaloa, tierra de nadie para los insípidos chilangos, han ocurrido cambios que más bien se antojan espejismos. Fuera de que la ciudad se inunda cada día más de tiendas OXXO y nos plantan incontables sucursales gringas de hamburgueserías, nada cambia.

Emergo Zinnema, un cine club alternativo y rotativo en la ciudad, terminó con Moviola Final Cut, concurso de cortometrajes organizado a manos juntas entre un servidor y La Maga, con satisfactorio éxito, y es hora que el ganador no cumple su promesa de subirlo al YouTube.

El verano científico comenzó y terminó y ahora sí creo que, después de todas las investigaciones y lecturas, Cronenbereg me debe un doctorado Honoris Causa.

Significante imaginario, un proyecto que adqurió su nombre no porque seamos unos mamones presuntuosos sino por urgencia capital, fue propuesto y aprobado en Octubre de este año y en eso es que ocupo casi todo mi cerebro. La idea de escribir, producir, dirigir y postproducir 4 cortometrajes en 5 meses es, por lo menos para mí, un poco inquietante. Esperamos tener todo listo para empezar la producción de los 2 primeros cortos las primeras semanas de Enero y ahora sí, a darle duro todo el año.

Por lo demás, no es que haya cosas importantes que contar a los emigrados de nuestra pequeña ciudad, Dumbland para algunos, pero tal vez una pequeña lista de nimiedades sirva para darse alguna idea:

>> Aldo Rodríguez, músico y compositor de melodías electroacústicas, a mi parecer el mejor invitado a esta pasada Feria de las Artes 2006 por su energía, creatividad e innovación; fue abucheado.

>> Estrella Virgen, quien ha realizado aproximadamente 3 cambios de residencia en lo que va de este año (en esta ciudad, y tan sólo a una cuadra de distancia una residencia de la otra, y así las 3), por motivos de trabajo quizá no visite Tabasco.

>> Roberto se ha decidido por la pintura, y ahora no tiene un sólo pantalón o camisa limpia que ponerse. Ya no usa pantuflas.

>> Julio César, tan amargamente apaleado por diversas mujeres todo este tiempo, y a pesar de que ya está perdiendo el cabello, por fin tiene novia.

>> Macario, después de interminables problemas y complicaciones, por fin comienza con RadioVisión y le deseo toda la suerte, aunque siempre haya mantenido una pésima higiene personal.

>> La Feria del Libro Los Mochis 2006 dejó un buen sabor de boca. Ignacio Padilla, Felipe Montes, Jorge Moch, Eduardo Antonio Parra, Cristina Rivera Garza, Heriberto Yépez, Álvaro Enrigue, entre otros, fueron los asistentes. Como recomendación, se anotaría que ya no es interesante el discurso queDavid Toscana (parece ser que el mismo camino han tomado sus libros) nos planta cada vez que viene; y que, si piensa presentarse pedo, Juan Gelman debería tomar algunas clases de dicción, pues de algunos de los poemas que "leyó" no nos quedó otra idea que el sonido del agua cuando se va por el retrete.

>> Alfonso Orejel, que recién recibe el premio Inés Arredondo de narrativa, editará otro libro para niños.

>> La Maga sigue con insomnio por las noches, y todo por las películas de terror que nos recetamos.

>> Scarlett Johansson es tan sólo un año mayor que yo.

>> Descubrí que, cuando haces amigos raperos, te llega a gustar el Rap.

>> A pesar de mis resistencias, leí a Stephen King.

>> Blockbuster regresó a los martes de 15 pesos.

Por lo pronto, el año se termina pero para mí estos días son el inicio de un proyecto que va en serio y, ojalá, señor AACI, que estas líneas lo regresen por algunos segundos a nuestras tierras baldías y a los cafés que están pendientes, a las pláticas de películas y a esos antros macuarros que tanto le gustaba visitar.

Libro: Hipotermia, de Álvaro Enrigue.

Película: El laberinto del Fauno, de Guillermo del Toro.

Música: Heavy Metal Me, DVD de Boris.

MOVIOLA FINAL CUT: concurso de cortometrajes

2006-04-05T08:16:00.000-07:00

Y sí, por fin se hizo realidad eso del concurso de cortos en el que todos pueden participar (siempre y cuando residan en el municipio de Ahome, Sinaloa), estudiantes, vagos, trabajadores, ociosos, amas de casa, mujeres de la vida galante, todos...
Lo único necesario, como dice la vieja consigna ya bien aprendida, es una cámara de video y un grupo de amigos dispuestos a todo (así, dependiendo qué tan buenos amigos sean, harán desde embarrarse de sangre de cerdo para lograr efectos especiales realistas, comer cucarachas, besarse o, el verdadero punto culminante del compañerismo cinematográfico, un desnudo.
Y bueno, de ahí en adelante lo único que hace falta es mucha, mucha imaginación: el fundamento principal del cine independiente.
Desde David Cronenberg hasta Jean-Luc Godard han pasado por los terrenos del corto, un verdadero campo de acción para los aprendices de cineasta, donde se adquiere experiencia en todas las ramas del quehacer fílmico: desde la dirección y la producción, hasta los efectos de maquillaje y la música.

Ahora sí, pues, ahí les va la convocatoria:

CONVOCATORIA:

La participación en el concurso estará abierta a todas las personas que residan en el municipio de Ahome, Sinaloa, y sólo se recibirán los cortometrajes realizados a partir de Enero de 2006, en formato DVD, VCD o VHS.
Se aceptarán un máximo de dos trabajos por participante.
La duración de las obras no deberá exceder los 20 minutos.
Los trabajos entregados deberán pertenecer al género de ficción, TEMA LIBRE.
Las personas que deseen participar deberán registrar sus obras en el Museo regional del Valle del Fuerte (Blvd. Antonio Rosales esq. Con Álvaro Obregón S/N), entregando un sobre cerrado que contenga en su interior dos copias del cortometraje y una hoja con los datos del participante (nombre, edad, dirección, teléfono, e-mail, escuela, etc), antes del viernes 19 de Mayo del 2006.
Un jurado calificador emitirá el veredicto para seleccionar al cortometraje ganador. Además, dicho jurado se encargará también de elegir las obras que serán exhibidas el día de la premiación y su decisión será inapelable.
Las obras participantes serán evaluadas en base a su originalidad, tratamiento audiovisual y capacidad expresiva.
Se entregará un premio único al ganador del Primer Lugar del concurso.

Y eso es todo. Ahora sí no hay excusa para no participar. Un mes y medio de trabajo es suficiente para entregar un cortometraje de calidad y empacarse el premio que se entregará al ganador (sí, habrá premio).

El evento de premiación será el 28 de Mayo en la Plazuela 27 de Septiembre, a eso de las 7:00 P.M.

Ya saben, entregan sus cortos en el Museo y van todos los lunes, ahí mismo, a la sala Ernesto Gámez, a eso de las 5:00 P.M., al cine club EMERGO ZINNEMA, el club de cine con la mejor programación de la ciudad.

Dudas: emergozinnema@gmail.com

¿Y QUÉ MAS DA SI UN CURA, UN METALERO Y UN CHARLATÁN SE ENCARGAN DE SALVAR AL MUNDO?

2005-10-13T08:32:00.000-07:00

Debo confesar que, aunque eso de las profecías y las crueles premoniciones que muchos auguran para nuestro ya gastadito planeta no me quita el sueño, más de una vez he pensado con un mucho de inquietud en eso del fin del mundo.
Lo peor del caso es que no tengo (o tenemos) una sola opción por la cual preocuparnos, sino que, si es que el mundo se acaba (así de fregadazo), o nos ahogamos en toda esa agua que poco a poco baja de los polos, o nace el tal hijo de un tal chamuco que sin duda alguna sería, como dice la rola de los Ángeles del Infierno, el principio del fin.
Pero bueno, ya qué. Todo es mejor que fanatizarse y pasar los días y las noches metido en un refugio antibombas comiendo comida enlatada y procreando con nuestra madre y nuestras hermanas, o incluso viendo y reviendo hasta el fin de los tiempos una desgastada copia de Kramer vs. Kramer.
El fin del mundo ha sido uno de los temas más recurrentes en el cine, mostrando diferentes facetas de esa terrible destrucción que va desde aquellas antiguas películas de monstruos de otro planeta que vienen a destruirnos, hasta esas estilizadas fantasías de Michael Bay tipo Armaggedon y Deep impact.
La fórmula conocida para toda película de fin del mundo es un poco así: después de enterarse de que el fin del planeta se avecina (ya sea gracias a una piedra gigante tipo asteroide o a una explosión en el centro de la tierra o a la venida del chamuco), un héroe o héroes se dan a la tarea de evitar a toda costa que tal evento tenga oportunidad de suceder, para lo cual deberán recurrir a todos los medios que se les crucen en el camino (naves espaciales, archivos prohibidos del FBI) y a todas sus habilidades físicas y deductivas.
El final de héroe es incierto pero de igual modo glorioso pues, ya sea vivo o muerto, todo mundo festejará su valentía o sacrificio (ah, y será recordado por todos sus compañeros para siempre).
Sí, sí, todo muy noble y glorioso pero, repitiendo una pregunta que por alguna razón siento que ya hice, ¿Qué pasaría si fuera Álex de la Iglesia y no Michael Bay quien se encargara esta vez de salvar a la humanidad?
La respuesta nos llegó allá por el año de 1995, cuando después de recibir sendos premios por su Ópera prima Acción mutante, Álex de la Iglesia regresa a la silla del director con la cinta El Día de la Bestia, misma en la que colaboran sus camaradas de toda la vida Santiago Segura y Alex Angulo que, aunque no muy bien parecidos ninguno de los dos, saturan la pantalla con su hilaridad y sarcástico desenfado.
La historia de la película es simple: un sacerdote (el buen Álex Angulo) cree haber encontrado el mensaje secreto del Apocalipsis según San Juan: una fecha, la fecha del nacimiento del Anticristo, el 25 de Diciembre, en Madrid. Para detener este demoníaco suceso, el cura se une a un joven aficionado al Death Metal y a un charlatán televisivo que se llama a sí mismo Profesor Cavan, una especie de gurú paranormal que conduce el programa televisivo de moda en la ciudad.
La premisa por sí sola es genial, me recuerda a esa otra idea de que parte una cinta algo malograda de Jaime Humberto Hermosillo: Exxxorsismos, la historia de un velador que, después de quedar encerrado en un centro comercial durante su primer día de trabajo, se encuentra con el fantasma que usualmente ronda por esos pasillos; la parte interesante está en que ese dichoso fantasma es, en realidad, el amante muerto del velador quien, muchos años atrás, rompió la promesa de suicidarse junto a él y que ahora debe arrepentirse después de ver muchas imágenes algo perturbadoras para nosotros (aunque sabemos que a su director le encantan).
Álex Angulo está tan genial como en la obrita maestra Mirindas asesinas y Santiago Segura se lleva los aplausos en su papel de Jose María, ese loco que, a fin de cuentas, termina por conmovernos.
La estética de cómic que tanto fascina a de la Iglesia está presente en todos los planos de la película, desde el hilarante principio con la cruz que se derrumba hasta las magníficas secuencias en lo alto de los edificios (debo rescatar aquí una inquietud personal: creo que el buen Álex tiene una seria afición por las secuencias filmadas en escenarios elevados, ya sea edificios o puentes o demás; cosa que me hace pensar en el serio trauma que, como a mí, le habrá provocado Vertigo (de Alfred Hitchcock) y toda esa emoción proveniente de la posibilidad de caer a un vacío que más bien se llama muerte).
Además, vemos en la cinta la preocupación del pueblo español por la serie de actos terroristas cometidos por los diferentes grupos que siembran el terror en su país, llámese ETA o como quiera llamarse, vía Limpia Madrid, una organización ilícita encargada de propinar balazos, fregadazos y hasta batazos al primero que se ponga enfrente.
Humor negro del bueno, del que sabe hacer Álex de la Iglesia, es lo que encontraremos en EMERGO ZINNEMA si asistimos a la proyección de la cinta El Día de la Bestia, este Lunes 17 de Octubre en el Museo Regional (a las 5:00 pm) y el 20 de Octubre en la Torre Académica de la UAS (a las 2:00 pm).
Ya para finalizar, te recordamos que si no tuviste oportunidad de ver La Comunidad el Lunes pasado, esa misma película se proyectará de nuevo el día 21 de Octubre (a las 5:0 pm) en la sala audiovisual de la Universidad de Occidente.
Recuerda que, aunque ya la vimos pirata, todos los fans de Álex de la Iglesia esperamos con ansias y otras cosas la oportunidad de ver en el cine su más reciente cinta: Crimen Ferpecto: divertidísima, grotesca, como de costumbre.
Los dejo por el momento, la verdad es que algunos asuntos rondan por mi mente y no es precisamente el fín del mundo, sino el fin de otras cosas, lo que me inquieta.

Pd. Un café, un buen libro y otras drogas ayudan bastante, sin embargo la imagen sigue ahí... quieta…quieta.

ÁLEX DE LA IGLESIA: LA INCANSABLE BÚSQUEDA POR LA ESTUPIDEZ PERFECTA

2005-10-05T22:03:00.000-07:00

Comunidad: F. Calidad de común/ Conjunto de personas que viven unidas y bajo ciertas reglas, por un mismo bienestar.
Claro, esa es una definición de diccionario pero ¿Qué podríamos esperar de esa misma palabra si quien la define es Álex de la Iglesia?
Allá por 1965, en España, más específicamente en Bilbao, nace un pequeño regordete que hoy en día se anuncia como uno de los más prometedores directores españoles: el buen Álex de la Iglesia, amante de los cómics desde los diez años y fiel seguidor de Alex Raymond y Stan Lee; ambos, según él mismo, sus padres espirituales.
Años más tarde ingresa en la facultad de Filosofía de la Universidad de Deusto, interesado en ampliar sus horizontes (aunque nunca dejó de ser un cliente frecuente en cierto bar y cierto cineclub).
Sus primeros trabajos en el mundo de la farándula son como decorador y director de arte, mismos que sirvieron como base para, tiempo después, ingresar en el mundo de los cortometrajes vía Mirindas asesinas (1991), corto que él mismo co-escribió y dirigió, y que relata la breve visita de un asesino neurótico a un bar. Este genial trabajo le mereció sendos premios en diferentes festivales y el apoyo de El Deseo, la compañía productora de Pedro Almodóvar, para realizar el que sería su primer largometraje: Acción Mutante (1993).
Un poco después, y unos cuantos premios mas adelante, regresa a las pantallas con El día de la Bestia (1995), la extraña aventura de un sacerdote que busca por todos los medios reunirse con Satán. Su misión: evitar el inevitable fin del mundo.
Sus siguientes películas fueron: Perdita Durango (1997), Muertos de Risa (1999) y, un año más tarde, LA COMUNIDAD (2000), cinta que nos interesa en esta ocasión.
Julia, una vendedora de pisos (departamentos, casas o demás), descubre por accidente, mientras intenta vender un departamento en un edificio, la fortuna oculta de un hombre que acaba de morir. ¿Cuál es el problema? Que la comunidad de dicho edificio ya estaba enterada de la existencia del tesoro y, ahora que sospechan que Julia lo tiene, no la dejarán escapar hasta arrebatárselo.
Comedia negra, terror, suspenso, Álex de la Iglesia nos regala una obra que nos remite a El bebé de Rosemary (Roman Polanski, 1968) por la presencia macabra de los vecinos; y a la obra de Hitchcock (esos créditos iniciales nos recuerdan a los de Vertigo, creados por el sensacional Saul Bass) por el elaborado uso de los planos secuencia y los toques de humor, en esta caso negro a la octava potencia.
Curiosamente, LA COMUNIDAD será la cinta que inaugure los ciclos de cine de EMERGO ZINNEMA, por lo que podrás verla este Lunes 10 de Octubre, a las 5:00 p.m., en la sala Ernesto Gámez del Museo Regional (Rosales y Obregón) y el viernes 21 de Octubre, a las mismas 5:00 p.m., en la sala audiovisual de la Universidad de Occidente.
Ya para terminar te regalamos una frase de Álex de la Iglesia, a propósito de sus películas: "Lo del cine con mensaje es una chorrada. Siento que El Dia de la Bestia tenga un posible mensaje antifascista, eso es que todavía no sé hacer buenas películas. Santiago (Segura) y yo pretendemos llegar a la estupidez perfecta, la diversión pura, en la que no haya ningún mensaje en absoluto."
P.D. Ya pronto se publicará la reseña de El día de la bestia, del mismo Álex de la Iglesia, en este espacio dedicado a los films no comerciales o difíciles de conseguir que ya hacía falta.

PREFACIO A LA CARNE NUEVA: EMERGO ZINNEMA INICIA ACTIVIDADES

2005-10-05T21:54:00.000-07:00

Bienvenidos, camaradas, a este nuevo derrotero que emprenderemos juntos durante los siguientes nueve meses: EMERGO ZINNEMA, una sala de cine como ya hacía falta, un espacio dedicado a las películas y sus amantes, los cinéfilos, a cualquier persona que guste de este genial arte o que simplemente tenga ganas de sentarse a ver una buena cinta.
EMERGO ZINNEMA nace aproximadamente tres meses atrás, con la inquietud de fundar una sala de cine en que todos podamos ver esas películas que no encontramos fácilmente en el videoclub de nuestra comunidad; películas que por pertenecer a géneros como el horror, la comedia o de vanguardia no son programadas en los cineclubes locales o ni siquiera llegan a la sala comercial.
Es ahí en donde entramos nosotros, consiguiendo esas películas a cualquier precio, sin importar el país de origen o si hay que vender nuestros cuerpos para lograrlo; así tengamos que quemar nuestra piel con encendedores, proyectaremos esos títulos que hacen que lancemos maldiciones cada vez que alguien los menciona y no los hemos visto: la comedia extravagante de Álex de la Iglesia, el Giallo de Argento o el horror de Barker, entre otras curiosidades.
EMERGO ZINNEMA es para todos, el único requisito es tener ganas de ver películas; no hace falta ser un experto ni un gran disertador para formar parte del proyecto.
Además, EMERGO ZINNEMA puede ser una escuela, la escuela de todos los interesados por el cine, la de ver películas, pues el año entrante estaremos lanzando la convocatoria para nuestro CONCURSO DE CORTOMETRAJES, y las cintas que proyectaremos bien podrían servir de inspiración (además de la inspiración que de por sí ya da el premio).
Tiremos a la basura esa copia de Driving Mrs. Daysi y toquemos las puertas de EVIL DEAD; ¡Muera Kramer vs. Kramer y viva VIDEODROME!
En esta experiencia nos acompañaran tipejos como John Fuckme, Sebastián Vivaldi y un tal Zavatine, además de la siempre adorada Maga.
Cada función de EMERGO será una experiencia, cada fotograma sueño y pesadilla, ilusión, fantasma que llevamos dentro.
Además, te informamos que pronto estaremos visitando escuelas y universidades de nuestra ciudad, Los Mochis, por lo que agradeceremos que se pongan en contacto si tienen ganas de que visitemos su escuela, programando así un día y hora para la función.
Agradecemos al Ayuntamiento de Ahome, al Consejo Ciudadano para el Desarrollo Cultural y al Museo Regional del Valle del Fuerte el apoyo prestado para la realización de EMERGO ZINNEMA, así como a todos aquellos que nos apoyaron o financiaron los refrescos a la hora de la sed.
Sólo nos queda informar que esta semana, del 3 al 9 de Octubre, será nuestra semana de promoción, por lo que tal vez nos verás metiendo un volante en el parabrisas de tu coche o pegando carteles sin permiso de nadie.
La primera función se realizará el Lunes 10 de Octubre a las 5 de la tarde en la sala Ernesto Gámez del Museo Regional del Valle del Fuerte (Rosales esq. Obregón). La película es LA COMUNIDAD, del español Álex de la Iglesia, cinta de la que aquí mismo encontrará reseña esta semana.
Continuaremos presentándonos en el Museo regional todos los lunes a las 5. En caso de inconvenientes, comunicaremos todos los detalles por este medio. La visita a las escuelas será de acuerdo a lo acordado con las autoridaes de dichas instituciones y de igual manera se avisará de lo ocurrido.

No faltes y recuerda que, como dijo Orson Welles: La cámara es mucho más que un aparato registrador, es un medio a través del cual nos llegan mensajes de otro mundo, un mundo que no es el nuestro y que nos lleva al corazón de un gran secreto. Aquí empieza la magia... una película es una cinta de sueños.